B.B. King & Friends: 80 (2005) - B.B. King - Critica

Lo ocurrido el día 14 de Mayo de 2015 será recordado con gran pesar y tristeza en el colectivo de los amantes y oyentes del estilo Blues, debido a que Riley Ben King o mejor conocido como B.B. King dejaría el mundo terrenal a los 89 años de edad en su vivienda ubicada en Las Vegas. Como consecuencia de esto, B. B. King deja una huella invaluable e imborrable en el ámbito musical materializado a través de su brillante y admirable trayectoria de trabajos discográficos, material en vivo, colaboraciones musicales, entre otros. Adicionalmente, su tono y manera de cantar conjuntamente con su técnica y digitación en la guitarra influenciaron a grandes cantantes y guitarristas de los estilos Blues y Rock como Peter Green, Eric Clapton, Carlos Santana, entre otros.

Riley Ben King nació el 16 de Septiembre de 1925 en Misisipi. Desde temprana edad, el pequeño Riley tuvo interés y motivación por la música. Según se cuenta, Riley iba regularmente a la casa de una tía, la cual era una gran coleccionista de vinilos y que, por consiguiente, poseía un tocadiscos en el cual reproducir la música de los mismos. Si bien, inicialmente, Riley se dedicaba a cantar en los cultivos de algodón donde trabaja, prontamente, pasaría a formar parte central del coro de la iglesia a la cual asistía. También su interés por tocar la guitarra se fue acrecentando con el pasar de los años hasta que pudo reunir el dinero suficiente para comprarse su primera guitarra a la edad de 14 años. De ahí en adelante, nunca abandonaría los dos principales dones que le regalaría la vida en el ámbito musical (Voz y guitarra) hasta el día de su muerte.

Desde sus inicios en la guitarra, B. B. King se vio influenciado por Bukka White, Robert Lockwood Jr y Lonnie Johnson, sin embargo, se vio especialmente atraído por la forma de tocar de T-Bone Walker y Django Reinhardt. Según palabras del propio B. B. King, este aprendió ese vibrato tan característico y representativo de su manera de tocar cuando trataba de aprender a tocar con el slide o la llamada técnica del bottleneck. Como este nunca aprendió esta técnica, la cual le resultaba prácticamente imposible, intento imitar el sonido producido por el slide de tal manera de no tener que tocar con tal objeto, así desarrollaría una técnica única en cuanto a la técnica del vibrato en la guitarra.

B. B. King era conocido por ser un tipo bastante carismático y agradable, por tanto, se hizo de un gran cumulo de amigos y seguidores. En esta materia, B. B. King recorrería grandes escenarios a nivel mundial y compartiría escenario con grandes artistas de la escena musical. Es así como en el año 2005, y como celebración de su cumpleaños numero ochenta, decide reunir a una cantidad considerable de estrellas de renombre y admiración en el ámbito musical para realizar su trabajo discográfico B.B. King & Friends: 80.

Quiero desde ya hacer presente al lector, que dicho material discográfico contiene temas conocidos y reconocible dentro del estilo Blues, los cuales ya han sido versionados tanto por el propio King en álbumes anteriores como por artistas vinculados a dicho genero musical dentro de su trayectoria discográfica. Adicionalmente, se nota en la voz de B. B. King un aire de cansancio y debilidad, el cual es considerable debido a que B. B. King tiene 80 años y lleva haciendo carrera en la música desde que era un joven veinteañero. Esto ultimo, se justifica en el hecho de que B. B. King era demasiado trabajólico y entregado, por tanto, trabajaba y daba lo mejor de si en los escenarios los 365 días del año siempre y cuando su cuerpo y alma se lo permitieran. Una de las consecuencias mas plausibles de esto fue el alejamiento y distanciamiento con su familia y seres queridos, lo que le costo matrimonios, amistades, acontecimientos significativos, entre otras.

Sin embargo, pareciera que el ímpetu, pasión y entrega al cantar y tocar por parte de B. B. se mantuvieran intactas logrando transmitir emociones y sentimientos al oyente. El plus o valor agregado del disco son las características y singularidades sonoras y musicales de cada uno de los invitados, los que le dan al disco un toque distintivo y llamativo. Por este motivo, y tomando en consideración las palabras expresadas en el párrafo anterior, a pesar de que se trata de temas conocidos y reconocibles del estilo de Blues, estos tienen su particularidad única a través de los aportes que hacen tanto B. B. King con su banda como por el invitado en cuestión.

El disco comienza con la armónica de Van Morrison conjuntamente con las melodías en la guitarra de B. B. King en el clásico spread o Shuffle Blues Early In The Morning. Las voces se van intercalando a medida que transcurren los versos y se juntan en las partes corales de dicho tema. Van Morrison es un compositor, cantante y multiinstrumentista irlandés que ha logrado gran reconocimiento y éxito a nivel mundial a través de una carrera y trayectoria musical inspirada en los estilos Folk, Blues y Pop. Si bien Morrison no tiene el virtuosismo o habilidad en la armónica como un Sonny Boy Williamson II, Junior Wells, James Cotton, Little Walter, entre otros; el irlandés se logra defender con melodías y sonoridades básicas de la armónica que resultan efectivas y precisas. Ese tono desgarrado y gangoso de Morrison en las voces y ese tono sentimental y relajante de B. B. King se mezclan en sonoridades agradables para el oyente. La calidad en las cuerdas, por parte de King, suena de manera precisa e impecable demostrando que el transcurso de los años no ha hecho estragos en su habilidad con sus manos. Asimismo, debo destacar la labor y desempeño realizado por el bajo o contrabajo a lo largo de todo el tema aportando la melodía central y conductora del tema.

Siguiendo la misma línea Shuffle  Blues que su antecesora, aunque con la incorporación y participación de otra guitarra se nos presenta Tired of Your Jive. Pero, ¿De quien será esta guitarra eléctrica con un sonido mas rockero y rudo? Bueno, nada menos que Billy Gibbons. Gibbons es el compositor, vocalista y guitarrista de la banda de Blues/Rock y Hard/Rock ZZ Top y ha sido mediante el trabajo con esta que ha logrado posicionar su nombre dentro de la escena del Rock. Siempre se ha rumoreado que el Rock es el hijo del Blues y parece que este tema lo deja más que demostrado, ya que los estilos y formas de tocar la guitarra así como el tono y expresión vocal tanto de King como de Gibbons nos muestran esta similitud y parentesco entre estilos. Si bien  siempre se aprecia la calidad vocal e instrumental tanto de B. B. como de Billy, es conveniente destacar el trabajo realizado por los vientos y el teclado de la banda de King, los cuales hacen al tema bastante entretenido y atractivo.

Siempre que una persona participa en todo aquello que se le interponga por delante o muestre interés por involucrarse en una gran cantidad de actividades vinculadas a un ámbito en específico se le llama canapé o florerito de mesa. Ese sentimiento me ocurre cuando escucho el nombre de Eric Clapton y quiero mencionar que no lo hago en un tono despectivo o reprochable a su persona, simplemente voy al hecho de que Clapton posee una extensa carrera y trayectoria musical dentro de bandas o agrupaciones, de manera solista o de participaciones y colaboraciones con otros artistas. El clásico Slow Blues menor de B. B. King y con el cual lograría el reconocimiento y éxito a nivel planetario The Thrill Is Gone se nos presenta en esta conjunción con Eric Clapton. Todos los que hemos escuchado este tema, así como las distintas versiones realizadas por el propio King en vivo o álbumes discográficos, sabemos que B. B. pareciera que entrega el alma y la vida en cada nota que toca con su guitarra o canta a través de los versos.

Parece que el tema provoca y evoca en el mismo King emociones y sentimientos asociados a pasajes y vivencias de su vida, por lo que, transmite estos mismos al oyente quien acompaña a B. B. en cada una de las melodías vocales y guitarreras que interpreta. El tema logra la perfección y simetría perfecta que tiene tanto en vivo como en los álbumes en los que ha aparecido. Quiero destacar la labor en las cuerdas de Clapton, quien en esta canción no canta, además de la labor de ese teclado Hammond y la batería que le dan ese aire y gusto Funk y Slow al tema.

La primera vez que escuche un Blues que me emocionara hasta tomar la decisión de abocarme de lleno a su estudio y dedicación fue Need Your Love So Bad en la versión de Peter Green cuando integraba la banda Fleetwood Mac. Sinceramente, la versión de B. B. King de este tema provoca mas emociones y sentimientos que la versión de Peter Green y eso se lo debe el mismo King a la colaboración de Sheryl Crow, compositora, cantante y guitarrista de música Country, Folk y Blues, la cual proyecta a través de su voz ese aire cálido, sensible y relajante de una voz femenina que me recuerda a Etta James, Big Mama Thornton, entre otras. Las notas precisas y sutiles en la guitarra le dan un toque característico y único a la interpretación del tema, además de la interpretación del teclado en el transcurso del mismo. Siempre se agradece escuchar esa simetría que se produce entre una voz masculina y femenina.

Con un aire Góspel y Soul recordando a esos años de juventud y adolescencia en los que B. B. cantaba en el coro de la iglesia se rememoran con Ain't Nobody Home. B. B. es bastante inteligente y astuto en este sentido, así que dispone de la participación y colaboración de un experimentado cantante y músico de este tipo de música Daryl Hall. El trabajo realizado por los coristas acrecienta ese sentimiento y sensación de iglesia evangélica de negros en Estados Unidos. Lo más rescatable en esta canción, dejando en segundo plano la calidad de los músicos e instrumentistas de dicha canción, es la voz de King y Hall, así como también la labor de las partes y secciones corales. La existencia de Dios puede ser verdad o falsedad y eso va a depender del criterio religioso que tenga cada persona, sin embargo, si la manera agradecer y recompensar a Dios se lograra a través de la música, B. B. King le ha entregado un increíble y fantástico regalo a Dios mediante la interpretación de este tema.

Hummingbird representa uno de los puntos más bajos del disco. Si bien la colaboración de John Mayer, compositor, vocalista y guitarrista procedente de la escuela de Jazz y Blues Berklee, se incorpora desde un comienzo con ese guitarreo Funk y Blues agregándole ese palmeo y muteo  con la mano, el cual nos rememora a la técnica, estilo y sonido de Jimi Hendrix, da la entrada a la voz de B. B. King, la cual se muestra bastante desgastada, sufrida y lastimosa. Ya se había hecho presente que la voz de King no era la misma de hace años debido principalmente a su avanzada edad, sin embargo, en casi todos los temas del presente álbum entrega pasión, fuerza y sentimiento. Bueno el termino de casi todos se aplica a este tema en particular, en el cual la voz de B. B. se muestra en un nivel realmente bajo y débil. La voz de John Mayer tiene ese aire cálido y tranquilo que le otorga al tema un matiz interesante y brillante. Sin embargo, la voz de John Mayer simplemente canta una estrofa en todo el tema y participa en la parte final con los coros del mismo. Demás esta decir que Mayer y King juegan durante todo el tema a la pregunta y respuesta con melodías en las guitarras.

All Over Again comienza unas melodías y sonoridades que evocan a la sensualidad, erotismo y éxtasis cimentado en las guitarras de B. B. King y Mark Knopler mediante la técnica del finger picking. ¡Así es! Mark Knopler el compositor, vocalista y guitarrista histórico de la banda de Rock Dire Straits hace de las suyas en este Slow Blues de carácter erótico y carnal. Sin embargo, Knopler no canta en ningún momento del tema dejándole esta tarea a la voz desgarrada y pasional de King. Los fraseos y licks en las guitarras de B. B. y Mark están cargados de precisión y sentimiento. Destacar el trabajo y desempeño del teclado quien le da al tema ese plus necesario para transmitir emoción, tranquilidad y sensualidad necesaria. Este tipo de Slow Blues son comunes dentro del repertorio de B. B., así que no debería generar extrañeza escucharlo, además si a eso le sumamos ese tono y vibrato exquisito que posee la guitarra de King.

El ritmo Shuffle Blues de los primeras dos canciones vuelve a cobrar fuerza y garra a través de Drivin' Wheel. Vaya que comenzada tiene B. B. en este tema con la melodía en la guitarra respaldada por la tremenda banda que tiene. El canto del mismo se escucha con energía y fuerza y hasta podría decir que por encima del invitado quien en esta oportunidad es Glenn Frey, el vocalista y multiinstrumentista de la banda de Hard/Rock Eagles. En esta canción se nota comodidad por parte de B. B. King en cuanto a sus líneas vocales como a sus fraseos en la guitarra. Glenn Frey queda sobrepasado en el ámbito vocal, sin embargo, muestra un buen solo y melodías en su guitarra eléctrica demostrando su técnica y habilidad en el estilo. B. B. y su banda muestran su desplante y desempeño enérgico y aguerrido en todo momento, inclusive habiendo un corte en la mitad del tema en donde King se hecha el tema al bolsillo y lo lleva a un jubilo brillante a través de su voz, siempre respaldado por buenos y correctos coristas.

Y volvemos a los Slow Blues de carácter romántico y apasionado con There Must Be a Better World Somewhere. En el mismo sentido que Need Your Love So Bad,  B. B. vuelve a incorporar la participación de una voz femenina de renombre, y vaya que artista es el que presenta King a través de ese tono y voz cálida, agradable y sentimental de Gloria Estefan. Resulta bastante raro y peculiar encontrar a Gloria en estilos como el Slow Blues o la balada Blues, sin embargo, su desempeño vocal es deslumbrante y fascinante dándole a la canción una temática de manjar o delicia para el oído. Nuevamente, King y Estefan intercalan sus voces a través de los diversos versos del tema. King sabe como se toca la guitarra en este tipo de canciones, lo cual se realiza tocando pocas notas pero precisas con gran cantidad de bending y estiramientos cargados de sentimiento.

Y con ese comienzo en la batería, teclado y guitarra da rienda Never Make Your Move Too Soo con un aire y temática bastante Funk y Orquestal. Si querían empezar con la fiesta mas vale que comiencen con este tema, ya que posee un carácter fiestero, enérgico y alegre de agrado para el oyente. Pero, ¿De quien esa voz rasposa y desgarrada que no se logra identificar con facilidad? Para mi también resulto una extrañeza y me refiero a la voz de Roger Daltrey, el vocalista histórico e icónico de la banda de Rock The Who. El desempeño en las líneas vocales de King y Daltrey resulta bastante efectivo y preciso para el estilo de canción. Sin embargo, el mayor crédito se lo doy a la banda de B. B., la cual se proyecta con dominio y virtuosismo en los diferentes instrumentos que posee y en las diversas partes de la canción en que estos intervienen.

Teniendo una calidad y trabajo instrumental increíble y deslumbrante durante toda su duración se nos presenta Funny How Time Slips Away. Sin embargo, para mi representa otro de los momentos bajos y débiles del disco. Muchos se preguntaran como puede ser posible que dicho tema sea uno de los más débiles dentro de las canciones del álbum siendo que posee una excelencia y calidad de instrumental y cuenta con la leyenda de Blues Bobby Bland como invitado en las voces junto a B. B. King. La respuesta a dicha interrogante o inquietud esta en la calidad y tonalidad vocal tanto de B. B. como de Bobby debido principalmente a su avanzada edad. Y tampoco estoy lapidando a grandes artistas por su calidad vocal transcurrido los años, en referencia a esto puedo citar a Cat Stevens que nunca a perdido su calidad y sonoridad vocal a pesar de la avanzada edad que posee. Pienso que el ser humano debe ser consciente y realista frente a las circunstancias y situaciones de la vida y ese falsete en la voz de King no da el resultado esperado o simplemente no se encuentra a la altura de la canción. La canción parece más una conversación emotiva y sentimental entre amigos que un tema de Slow Blues con todas sus letras.

Y llegando al final de este trabajo discográfico, se concluye todo con una fiesta llena de Boogie Blues y Jump Blues a cargo del clásico de este estilo Rock This House. En la ultima canción, B. B. trae a un pianista y tecladista muy especial, con esto hago referencia a Elton John. Rock This House es el tema mas enérgico, bailable y potente del disco mostrando a King en esa faceta Jump que aprendió del maestro del estilo T-Bone Walter. Los versos y los coros se encuentran plagados de euforia y efervescencia materializada a través de las voces de B. B. y Elton. Destacar la labor de los vientos de la banda de King que le dan ese toque particular y único al tema. Elton John también muestra sus dotes en el piano del estilo Blues a través de un solo lleno de virtuosismo y fuerza. Si bien B. B. King no es un guitarrista dedicado únicamente al estilo Jump Blues como un Hollywood Fats, Ronnie Earl, Junior Watson, Clarence Gatemouth Brown, entre otros; logra salir airoso y defenderse de buena manera en su desempeño en la guitarra frente a este tipo de canciones.

Si bien B.B. King & Friends: 80 no muestra desperdicios o rellenos en cuanto a las canciones que contiene, si debe hacerse presente que a pesar de mostrar una excelente calidad instrumental y vocal a nivel global como álbum discográfico no queda exento de una que otra acotación o debilidad detectada. La calidad de dicho material discográfico queda respaldada por el Premio Grammy recibido en el año 2006.

Si el lector es una persona que recién se esta familiarizando con el estilo Blues o con la carrera y trayectoria de B. B. King se le recomienda y sugiere que tome este álbum como un punto de partida significativo e importante en el estudio de tan particular estilo de música.

“The thrill is gone
It's gone away from me…”

Electric Mud (1968) - Muddy Waters - Critica

Hoy es uno de tantos días en los que me encuentro en la oficina sin hacer o realizar nada productivo. Como decía aquel tema Stormy Monday de T-Bone Walter si el lunes es tormentoso…el resto de los días pueden ser similares o  peores…. Actualmente estoy realizando mi práctica en una institución bancaria y siendo sincero y verdadero en mi comentario, por momentos, me siento bastante molesto, insatisfecho y frustrado. Al ser considerado el nuevo o el practicante no me tiran a los leones, quizás por miedo y temor a que cometa algún error significativo y considerable; dice un dicho popular que de los errores se aprende..., pero sino me dejan experimentar o practicar como es posible este aprendizaje. Adicionalmente, podemos agregar la consideración de que la práctica hace al maestro..., pero si no se dispone de esta como es posible que lo sea. Creo que la peor sensación y sentimiento que puede tener una persona es la frustración e insatisfacción profesional, laboral o personal. A diario vislumbro a mis compañeros de oficina llenos de trabajo y siempre activos durante la jornada laboral, que por ciertos momentos, se extiende del horario normal y frecuente de oficina teniendo en sus casas familias y cercanos esperándolos. El encontrarme presente pero sin ser un aporte o ayuda significativa me hace sentir mas molesto e insatisfecho aun.

Tengo claro que esto no es un confesionario ni un psicólogo, y quizás muchos lectores se preguntaran, pero ¿Qué tiene que ver todo esto con el lenguaje del Blues? He leído y escuchado muchos artistas del género  que ante esta eventual y corriente pregunta plantean el hecho de que el Blues es un sentimiento surgido circunstancias y acontecimientos naturales que se manifiestan en nuestra vida. Muchos intérpretes del género plantean que la vida misma es Blues. En este contexto es que si se tiene un día tormentoso y desolador eso es Blues, si te gusta una mujer, sin embargo, para ella eres imperceptible e indiferente eso es Blues y así un sucesión de ejemplos que se me vienen a la mente. Recordemos que las primeras sonoridades del Blues venían de aquellos sentimientos de malestar que provoco la esclavitud de negros africanos en Estados Unidos. Estos negros componían y cantaban canciones para demostrar su sentimiento de malestar debido al trato indigno y humillante de la esclavitud, además usaban estas composiciones para hacer mas alegre y amena las extensas jornadas laborales en los cultivos de algodón, la implementación de rieles ferroviarios, los cultivos y plantaciones de frutas y verduras, entre otras.

Con la llegada de Abraham Lincoln a la presidencia de los Estados Unidos y con la posterior abolición de la esclavitud en territorio americano, se produjo una gran cantidad de migraciones de negros a ciudades como New York, Washington, Chicago, entre otras. Bajo este contexto, muchos bluesman se trasladaron a las grandes metrópolis considerando a estas como una alternativa y oportunidad para desarrollar su talento musical. Poco a poco, la contaminación acústica y la sobrepoblación de estas ciudades hicieron imperativo y determinante que el blues en las calles se electrificara y distorsionada con el motivo de hacerse escuchar en las personas que circulaban las calles. Con esto, comienza a  surgir uno de los estilos de blues más conocidos y significativos del siglo XX, el cual se denominaría bajo el nombre de Chicago Blues; teniendo a uno de sus grandes intérpretes en las técnicas y vocalizaciones de Muddy Waters.

Electrid Mud es uno de los trabajos discográficos que representa la esencia misma de aquel sonido característico y único del Chicago Blues, ya que no solamente atrapa y cautiva por la calidad de sus composiciones, sino más bien por la expresividad y sentimiento que transmiten sus intérpretes.

Adicionalmente, tenemos que recordar que la casa discográfica que popularizó y catapulto la carrera musical de Muddy Waters fue Chess Records, la cual contaba con artistas emblemáticos como Etta James, Little Walter, Chuck Berry, Howlin Wolf, Willie Dixon, entre otros. Por lo mismo y no es de extrañar que la mayoría de las composiciones interpretadas por Muddy Waters sean de autoría del extraordinario Willie Dixon. Como decía el mismo Dixon en una de sus composiciones: I am the Blues…

El disco comienza con la psicodélica, electrizante y experimental composición de Willie Dixon I Just Want to Make Love to You. El arranque de la canción se desarrolla por fraseos distorsionados y psicodélicos en las guitarras, la batería por su parte pone de manifiesto los redobles y el bajo una cadencia slide interesante. El tema se desenvuelve por sonoridades rockeras y psicodélicas, sin embargo, el vozarrón y registro vocal de Muddy Waters le dan el carácter de Rock Blues. Hay que destacar los momentos en que Waters se desenvuelve acompañado solamente de la batería, ya que en los mismos destaca y resalta su talento vocal. La banda se pone a ritmo y tope en todo momento entregando momentos de virtuosismo y calidad interpretativa.

I'm Your Hoochie Coochie Man es una de las composiciones bluseras más conocida, versionada, reconocible, identificable, entre otros del Chicago Blues; inclusive me faltan apelativos para describir el significado de fondo de esta canción. Nuevamente, Dixon nos sorprende con una composición majestuosa y brillante. El tema comienza con una sonoridad ascendente y distorsionada a cargo de la guitarra hasta desenvolverse en la voz cruda y grave de Waters. La composición tiene una cadencia constante, pero que resulta efectiva y entretenida en todo momento. En el coro explota y estallan todos los músicos apoyados por el registro vocal de Waters. El solo de guitarra nos presenta habilidad y virtuosismo, así como también el solo de saxofón… ¡¡¡Así es!!! , y a pesar de que muchos piensen y estén acostumbrados a este tema por su sinfonía en armónica, nos encontramos frente a un saxo tenor interpretado por Gene Barge. Este tema tiene diferentes versiones tanto en estudio como en vivo realizadas por el mismo Waters, además de una serie de artistas relacionados con el Blues y Rock.

Let's Spend the Night Together, original de The Rolling Stones y aparecida en el disco Between the Buttons en la versión americana, tiene su versión blusera a cargo de Muddy Waters. La cosa arranca con unos fraseos interesantes y distorsionados sobre una base de acordes que recuerdan muy de cerca al sonido de Keith Richards, además se hace notoria la sonoridad de un órgano a través de ambientales. Waters como siempre sale airoso y pulcro durante toda la canción y le aporta ese toque característico de la voz negra de Blues y Gospel. Destacar la labor y trabajo de las guitarras de Faulkner, Cosey y Upchurch y el órgano de Stepney. La batería también tiene sus momentos e intervalos de brillo a través de correctos redobles y cambios de ritmo a cargo de Jennings.Si tuviera que quedarme con la versión original o con esta, seguramente preferiría ambas, ya que tienen toques y sonidos diferentes la una de la otra, esto le da identidad a cada una de las versiones del tema en cuestión.

Y nos encontramos con la primera composición de Muddy Waters en el disco a través de She’s Alright. Con un acorde que se deja oír a través de la guitarra y un fraseo en el bajo comienza She’s Alright. El tema posee una cadencia y armonía deleitable rayando por momentos en la distorsión absoluta y abrumadora. Los constantes y frecuentes duelos en las guitarras son una tónica constante durante la duración de la composición. Waters proyecta y entrega menos que en las antecesoras haciendo que el tema se vuelva repetitivo y latoso. Es la composición que mayor duración tiene en el disco y esto en vez de ayudarla, la desfavorece y resta merito a la misma.

La introducción de Mannish Boy puede parecer extraña y experimental, sin embargo, esconde un rememoramiento y recuerdo de la niñez y adolescencia de Muddy Waters. Esos sonidos de gritos de gallo y desolación de campo nos hacen presentes y participes de la vida esforzada y campesina que llevo Waters antes de convertirse en una estrella de Blues. La casa de madera vieja y roñosa, la construcción de vías ferroviarias, el trabajo en las plantaciones de algodón, el barro y la tierra, entre otras cosas se me vienen a la mente. La cadencia musical tiene fuerza, consistencia y potencia. Waters se luce como pocos en este tipo de canciones y lo demuestra a cada momento. Todos los que acompañan a Waters también proyectan sentimiento y virtuosismo para el oyente durante toda la duración de la composición. En versiones posteriores al disco, este tema se asemeja en demasía a I'm Your Hoochie Coochie Man, pero a Muddy Waters se le perdona todo ¿o no?.

Nuevamente las introducciones extrañas y desconocidas llegan de la mano de Herbert Harper's Free Press News. Quiero destacar el trabajo y labor de las guitarras en este tema, las cuales se encuentran llenas de frases y fragmentos de distorsión. El bajo mantiene la cadencia y la fuerza de la canción apoyado por la batería y el teclado. Si bien tiene un aire y toque más funk en comparación a sus antecesoras, Herbert Harper's Free Press News se acerca bastante al Funk Rock y Funk Blues desarrollados principalmente por  Albert Collins o Albert King. Es un tema más bien discreto debido a su repetición constante.

Tom Cat es una canción bastante interesante y atractiva debido a esos acordes en la guitarra con el toque del pedal delay y wah wah. Vuelve a aparecer el saxofón tenor para otorga momentos y pasajes cercanos a aquellos sonidos característicos y reconocibles de la cultura del medio oriente. El tema en si tiene un toque distintivo y particular debido  al saxofón tenor y a las vocalizaciones realizadas por el mismo Waters, ya que el resto de los instrumentos mantiene el ritmo corriente. Le recomiendo al oyente que preste atención a la canción, ya que no es tan frecuente en las composiciones e interpretaciones de Waters escuchar composiciones de este estilo y particularidad.

Y llegando al final del disco nos encontramos con un blues clásico de 12 compases llamado The Same Thing. Todos los instrumentistas llevan el ritmo y cadencia sonora a través de la progresión de acordes básica del I-IV-V. La voz de Waters posee matices graves y profundos los que dan un plus y valor agregado al tema. Me agrada el trabajo realizado en los teclados y órgano, pienso que es quien más brilla dentro de la banda de instrumentos que acompañan a Waters; además de la guitarra que siempre lo hace.

A pesar de lo que muchos puedan creer, y del talento natural que posee en la guitarra, Muddy Waters no toca ninguna nota en la grabación de las canciones para el disco; al menos no sale en los créditos del mismo por su interpretación en las seis cuerdas, simplemente sale en la parte vocal. La banda que lo acompaña es Gene Barge en el saxofón tenor, Phil Upchurch, Pete Cosey y Roland Faulkner en las guitarras, Charles Stepney en los teclados, Louis Satterfield en el bajo y Morris Jennings en la batería.

Eliminator (1983) - ZZ Top - Critica

Al escuchar, hoy en día, el Eliminator de la banda oriunda de Texas ZZ Top, compuesta por Billy Gibbons en la voz y guitarra, Dusty Hill en el bajo y Frank Beard en la batería, solo encuentro dos razones considerables y plausibles de su éxito y reconocimiento dentro de la escena rockera mundial. La primera de estas justificaciones radica en el hecho de que la banda venia desde los años 70’s lanzando de manera periódica discos de gran calidad y factura como Tejas, Rio Grande Mud, Fandango! , Tres Hombres, en el cual se encuentra la reconocible e identificable canción La Grange, entre otros. El segundo detonante de éxito y reconocimiento radica en el apoyo y respaldo momentáneo del canal de televisión musical MTV, el cual fue el encargado de masificar y extender la música de la agrupación estadounidense a través del globo por medio de videos musicales, apariciones en revistas, entrevistas, entre otras. En este ultimo punto, me refiero a apoyo y respaldo momentáneo, debido a que muchos de los que llevamos cierto y determinado tiempo aprendiendo de la escena del rock mundial, conocemos a la perfección como era el negocio y mercado musical en la década de los 80’s, en donde encontramos ciertos medios de comunicación a los cuales les interesaba simplemente vender, vender y vender y la música o las bandas pasaban a segundo plano. MTV conforme a pasado el tiempo se ha ido transformando y mutando en un canal de realitys, series adolescentes, dibujos animados, etc teniendo un nombre de pantalla referente a la música. Muchas bandas han escrito y realizado composiciones en contra del canal en cuestión y por algo debe ser….

Muchos oyentes o fanáticos de ZZ Top pueden considerar que la agrupación “se vendió” o “se comercializo” a través de la realización de este trabajo discográfico. Sin embargo, debo salir en defensa del conjunto en este sentido. Cuando determinadas personas forman un grupo y comienzan a componer música su principal objetivo radica en el sentimiento de la creación e interpretación musical. Cuando estas bandas se consolidan a través de solidos y buenos discos el objetivo principal cambia y se vuelca en hacerse conocido y reconocido entre las personas. En este sentido, muchas bandas buscan cambiar su estilo en su manera de componer, interpretación y hasta vestimenta por agradar y consentir al publico. ZZ Top, según mi parecer, no cambio su sonido característico y reconocible, aunque debo reconocer que hay ciertas composiciones dentro del disco que tienen un sonido más comercial que otras. Puede que el conjunto haya tenido sus 5 minutos de fama y fue lo que duro mientras fue rentable para productores y promotores como le ocurrió a muchas bandas en aquella década. Sin embargo, la banda sigue haciendo discos y realizando giras a través del mundo con un publico fiel y leal que reconoce su trabajo discográfico y su puesta e interpretación en vivo.

Gimme All Your Lovin': Uno de los temas más comerciales y alejado del sonido característico de la banda se nos presenta con Gimme All Your Lovin'.Si hablo o me refiero a un sonido desconocido y cambiado es a la cercanía de la composición y estructura de la canción al sonido de Electric Light Orchestra, es que sino supiera reconocer el tono vocal de Billy Gibbons no sabría que estoy ante la presencia de ZZ Top. Frank Beard es el encargado de comenzar el tema a través de un ritmo sencillo y simplón en la batería. El tema agarra fuerza y energía a través de la incorporación del bajo y la guitarra eléctrica, esta ultima aportando unos fraseos y cadencias repetitivas y distorsionadas. La voz de Billy nos conduce a través versos entretenidos y divertidos. El coro de la canción es pegajoso y agradable. El solo de guitarra eléctrica se encuentra plagado de fraseos e influencias bluseras y texanas. Hacer notar el sonido de los sintetizadores durante la canción y el interesante puente que se produce para marcar las partes de la misma.

Got Me Under Pressure: Con un sonido más boogie y más característico a la banda comienza Got Me Under Pressure. Billy Gibbons es quien mas se luce y brilla durante la canción. Dusty Hill y Frank Beard quedan en segundo plano durante la duración de la canción, ya que el primero, simplemente, marca las tónicas a través de punteos constantes en el bajo y el segundo, a pesar de continuar con los ritmos y patters simplones y frecuentes en la batería, destaca en los cambios de ritmo que tiene la composición. El tema tiene potencia, fuerza y garra demostrándose, en todo momento, a través de la voz desgarrada y agresiva de Gibbons. Adicionalmente, la canción tiene fraseos y punteos apreciables y considerables, los cuales rayan en cadencias distorsionadas otorgando un plus y valor agregado a la misma. El coro no es muy pegadizo, pero esta lleno del rock más cañero y boogie que puede entregar el conjunto estadounidense.

Sharp Dressed Man: Nuevamente, nos encontramos con los ritmos rockeros y cañeros de costumbre con Sharp Dressed Man. El tema se conduce por un riff marcado y constante lleno de distorsión, el cual genera la estructura de la canción manteniéndola con calidad durante su duración. Los versos y coros de la canción son pegadizos y entretenidos para el oyente. El solo de guitarra esta plagado de licks con slide y de procedencia blusera. La batería es un pilar fundamental de la composición, marcando el ritmo y dándole ese toque y color especial. El tema posee buenos y correctos cambios de ritmo y puentes musicales. Nuevamente, nos encontramos con los efectos y sintetizadores.

I Need You Tonight: Un fraseo en la guitarra eléctrica con efecto delay da comienzo a I Need You Tonight. Los primeros segundos de la tonada se van desenvolviendo a través de estos fraseos y licks en la guitarra, apoyados constantemente por una segunda guitarra que marca los acordes y la batería. El tema toma forma y estructura por medio de las entonaciones vocales a cargo de Billy Gibbons. El tema tiene un aire mas tranquilo, calmado y mesurado que sus antecesores representándose como una balada rock. Lo mas rescatable son los sonidos de eco y delay que se logran a través de la guitarra recordando por momentos el sonido de los delfines. Sin embargo, la estructura del tema por momentos se vuelve aburrida y deprimida, a pesar de los esfuerzos de Gibbons por levantarlo y condonarlo, para el oyente del mismo.

I Got the Six: La composición de menor duración del disco se presenta con I Got the Six. Lo que rescato del tema es aquel toque al rock moderno y actual al estilo de The White Stripes. El ritmo marcado y constante por parte de la guitarra de Gibbons y la bateria de Beard conducen al tema por una sonoridad cañera y bailable. La voz de Gibbons resulta, por momentos, extraña y desconocida aunque manteniendo la esencia. Al finalizar algunos versos se produce sonidos cortantes y secos por parte de todos los integrantes de la banda, lo que genera el coro plausible y pegadizo del tema en cuestión. Los gritos de Gibbons y los virtuosos solos del mismo otorgan a la canción un aire y toque frenético, desenfrenado y fresco.

Legs: Uno de los temas más conocidos y reconocibles de la banda se nos presenta con Legs. El tema comienza con unos licks distorsionados en la guitarra conjuntamente con un ritmo marcado en la batería. La canción tiene un aire comercial, rockero y electrónico. En esta composición es donde mas se hacen notar y presentes los sintetizadores y teclados que incorporo el grupo a este trabajo discográfico. La voz de Gibbons suena mas tranquila y relajada, sin embargo, tiene puntos desgarrados y eufóricos. El coro es bastante contagioso y pegajoso quedando en la cabeza del oyente a la primera. Los solos de Gibbons son rescatables y distorsionados. Beard hace un gran trabajo en la bataca y Hill brilla por su ausencia. A través de este tema, el grupo genero todo un concepto y emblema de marketing y mercado por medio de fotografías donde salían abrazados a unas piernas bonitas y formadas por mujeres espectaculares y el Ford Coupe de color rojo que ha aparecido en varios videos musicales de la banda, programas de televisión, cine y eventos de automóviles. Este tipo de auto se transformaría en la portada integral y funcional de este trabajo discográfico.

Thug: El tema más experimental y extraño del disco se nos muestra a través de Thug. El tema tiene un aire new wave, africano y jazz, aunque no pierde la esencia rockera a través de las progresiones de acordes y sonoridades en la guitarra eléctrica. Me recuerda mucho al sonido característico de The Police. Gibbons es quien menos brillo o luce durante el tema teniendo uno que otro momento enérgico a través de su voz. Beard aporta buenos ritmos en la batería dándole forma al tema. Hill es quien más deslumbra y entrega durante el tema demostrando su calidad y virtuosismo en el bajo a través de momentos agradables y habilidosos. Sin embargo, el tema resulta demasiado experimental y no parece entregar nada nuevo o de interés en el oyente, esto lo hace caer en el aburrimiento, monotonía y decadencia. Además, se pueden apreciar sonidos de teclado y de palmas.

TV Dinners: Un riff cortante y seco se escucha a través de TV Dinners. Es un rock constante y corriente que se mueve por un ritmo relajado y mesurado a través de la voz de Billy Gibbons. Nuevamente, aparecen los sintetizadores y teclados que colaboran a darle forma y estructura a la composición. Las progresiones de acordes y los cambios de ritmo durante el tema es quizás lo más rescatable del mismo. La canción cae en la repetición y monotonía del riff. Sin embargo, los puentes musicales entregan momentos interesantes y atractivos. La composición es regular y corriente sin tener altos ni bajos.

Dirty Dog: Con un aire mas fresco, vivo y energico que su antecesor se nos muestra Dirty Dog. El tema se desenvuelve por una base rockera y new wave. Como ya es costumbre en el transcurso del disco, aparecen los sintetizadores y teclados durante toda la duración del tema. Gibbons aporta momentos entretenidos y deslumbrantes a través de su voz y su guitarra. El solo de guitarra transcurre entre momentos distorsionados, espaciales y experimentales. Tiene una sonoridad muy similar al tema Legs. El tema resulta divertido y placentero para el oyente. Sin embargo, el coro no es tan plausible o apreciable como en otras composiciones de la banda.

If I Could Only Flag Her Down: Con ese aire y tinte blues y rock se nos presenta If I Could Only Flag Her Down. El tema se mantiene enérgico y positive en todo momento y no decae bajo ningún punto de vista. Esta clase de temas le acomodan a Gibbons, ya sea por su tono vocal o por su interpretación en la guitarra eléctrica y era que no si son ritmos comunes y frecuentes de sus tierras y orígenes texanos. Es un blues/rock plagado de ritmos cortantes y sonoridades distorsionadas. Toda la banda brilla y deslumbra quedando de manifiesto la comodidad de la misma frente a este tipo de ritmos y temáticas. El coro es correcto y discreto. Me resulta atractivo y destacable el solo de guitarra eléctrica con slide.

Bad Girl: Con la pregunta de Gibbons: Are you ready?... comienza la energica y cañera Bad Girl. El tema se nos presenta como el más rockandrollero, cañero y bailable del disco en cuestión. Gibbons grita y ruge en la voz entregando al oyente momentos de goce y delirio. El cambio de ritmo marcado y cortante de la banda da la partida al solo de Gibbons, el cual esta plagado de sonidos del rock and roll y rockabilly. El coro es entretenido, pegadizo y frenético. Resulta ser una gran composición para terminar el álbum discográfico, ya que esta llena de la esencia natural y sonido característico de la banda.

Este trabajo discográfico se proyecta como uno de los grandes albums lanzados por la agrupación oriunda de Texas. Recibió varias reseñas positivas por parte de los críticos y ha sido considerado como uno de los mejores registros de la década e incluso fue incluido en el puesto 396 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia según la revista Rolling Stone.

“She's got legs, she knows how to use them.
She never begs, she knows how to choose them…”

Van Halen III (1998) - Van Halen - Critica

Corría el año 1996 y en el seno de la agrupación Van Halen se producía una sensación de incertidumbre y confusión. Esto, como consecuencia, de la salida de Sammy Hagar del conjunto debido a problemas y apreciaciones personales y musicales con los hermanos Van Halen. Mucho se especuló, en aquella época, de que Sammy Hagar había renunciado al grupo o si los hermanos Van Halen lo marginaron de la banda. Sin embargo, el hecho cierto es que Van Halen se quedaba sin vocalista ni frontman para sus proyectos y expectativas musicales futuras.

Atrás quedaban aquellos tiempos de éxito, gloria y reconocimiento a cargo de la voz de David Lee Roth y atrás quedaban esos tiempos de madurez musical y emocional alcanzados bajo el alero de la voz de Sammy Hagar por medio de discos como 5150, OU812 o Balance, en los cuales la banda lanzaba indirectas y apreciaciones negativas a su ex cantante Diamond Lee Roth. En los años posteriores a la salida de Hagar, vendrían tiempos complicados y difíciles para Van Halen producto de un silencio musical de 3 años y de la tediosa búsqueda de un nuevo  cantante para la banda.

Ray Danniels era el encargado de manejar y dirigir los asuntos pertenecientes a la banda, además de manejar estos mismos en la banda de Boston “Extreme”, por lo que sugirió a Gary Cherone como el nuevo vocalista para Van Halen. Cherone, por su trabajo en “Extreme”, había alcanzado cierto reconocimiento y popularidad a través de temas como Play With Me, Rest In Peace y la famosísima balada romántica More Than Words, lo que lo posicionaba en un buen lugar para encargarse de las voces del conjunto estadounidense. Sin embargo, Van Halen III no alcanzo las ventas y notoriedad esperadas, siendo el álbum menos vendido y apreciado de la banda.

Neworld: El disco comienza con la instrumental Neworld. El teclado y las guitarras acústicas conducen al tema por melodías tranquilas, relajadas y amenas. A pesar de su corta duración, es un instrumental agradable y deleitable para el oyente. Sin embargo, hubiera cuajado perfecto en la finalización del disco para darle esa sensación de término y culminación reposada y serena.

Without You: El primer sencillo del álbum se nos presenta con Without You. Las baterías iniciales de Alex nos conducen a un fraseo distorsionado de Eddie, el cual da la partida a los primeros versos entonados por Cherone. El tema se conduce por un riff rockero y cañero a cargo de Eddie, quien, además, aporta fraseos con su sonido particular al finalizar los versos y estrofas del tema. Sin embargo, el tema me recuerda mucho al sonido de Extreme y me rememora al tema Rest In Peace, lo que a momentos hace perder ese sonido característico y único de Van Halen. El coro no enciende y crea la sensación de que nunca va a despegar volviéndose algo tedioso y aburrido. Sinceramente, no entiendo que atmosfera quisieron crear con esas voces de eco que se escuchan durante todo el tema, ya que no aportan en demasía ni le dan un plus aparente a la canción. Cherone a pesar de entregar fuerza, potencia y disposición principalmente durante los versos, no logra salvar y reputar la canción. Eddie nos entrega un gran solo, como es de costumbre, con versatilidad y virtuosismo. Un tema bastante correcto y algo discreto que, tal vez, tuvo la intencionalidad de ser una gran canción con un estribillo pegajoso y encendido, sin embargo, este anhelo lo haría cavar su propia tumba.

One I Want: Con la sonoridad característica de la era Hagar se nos presenta One I Want, el cual corresponde al segundo sencillo del disco. Por momentos, esas guitarras iniciales a cargo de Eddie me recuerdan a Ain't Talkin' 'Bout Love, obviamente, con menor calidad e intensidad que su antecesora del año 1978. Este tema se hace mas disfrutable y agradable que su antecesor mostrándonos un sonido mas particular e identificable con la era de Sammy Hagar al interior de la agrupación. Cherone demuestra potencial y entrega en cada una de las partes vocales de la canción, sin embargo, mi única critica sería  a su intencionalidad por querer asemejar su timbre vocal al de Hagar. Eddie conduce al tema por riffs rockeros mesurados y distorsionados con un sonido muy reggae y a la vez cañero, propios de su era de finales de los 80’s y principios de los 90’s. El coro sin ser un estribillo pegajoso o recordable queda bastante bien para la métrica y estructura de la canción. Eddie es un maestro de las seis cuerdas y lo deja demostrado en cada oportunidad consolidándose en el solo. Alex nos muestra buenos redobles y cambios de ritmo en la batería.

From Afar: Con unas guitarras melancólicas y nostálgicas da comienzo From Afar. Eddie es quien conduce el tema, en todo momento, con cadencias deprimentes y tristes con un sonido distorsionado y de chorus. La voz de Cherone da una sensación de melancolía y quebranto en cada uno de sus pasajes sonoros. El tema entrega una sensación de pesadumbre y amargura, por lo tanto, lo hace un tema aburrido y deprimente para el oyente, el cual no despega en ningún momento y no entrega nada nuevo. A pesar de su cambio de métrica y estructura, en el minuto 3:20, y de que a momentos se escucha ese sonido único y particular de la banda, el tema cae en la imperceptibilidad y olvido general. El solo no brilla y no proyecta nada significativo.

Dirty Water Dog: Con un comienzo bastante extraño y experimental a cargo de Alex en la batería, adicionalmente del sonido de unos fierros cayendo y el pasado de una lija por algún objeto, da comienzo Dirty Water Dog. Si desde el comienzo el tema se nos presenta bastante extraño y raro, la estructura central y columna vertebral del mismo también se conduce por sonoridades experimentales y exóticas a cargo de Eddie. La voz de Cherone nos conduce por aires y pasajes más agradables y movidos. El coro es correcto y a momentos se vuelve un tanto pegajoso. Es uno de los temas más experimentales, singulares y misteriosos del disco, ya que posee una estructura compleja y progresiva, sin embargo, tiene momentos amenos y degustables para el oyente.

Once: Con un teclado melancólico y lacónico da inicio Once. ¿Van Halen cantando canciones al estilo de Phil Collins? Así es, ya que el tema recuerda ese sonido característico y particular del ex cantante de Genesis. Si hasta los mismos efectos y alteraciones vocales que usa el cantante ingles se utilizan en esta canción. El tema tiene un aire y sonoridad cinematográfica y de película al estilo Disney. La batería de Alex mantiene la calma y mesura durante todo el tema y Eddie brilla a cargo de las seis cuerdas y en su rol de tecladista. Nuevamente, nos encontramos ante un Cherone que quiere imitar y asemejar su timbre vocal a un reputado y reconocido vocalista como lo es Phil Collins. El tema es agradable y hubiera quedado perfecto para alguna producción del cine, sin embargo, su excesiva duración lo hacen caer en la monotonía y uniformidad.

Fire In The Hole: Con el sonido de las hélices de un helicóptero combinado con un sonido futurista y vanguardista surge Fire In The Hole. El tema se conduce por un riff rockero de gran calidad y clase que desborda potencia y fuerza. Cherone ruge y proyecta energía y potencia en todas sus líneas vocales. El tema posee buenos cambios de ritmo y sonoridades variables lo que lo hacen caer, por momentos, en una composición de rock progresivo. Eddie se muestra mucho más comprometido y habilidoso en el solo. El coro, nuevamente, es correcto y disfrutable. Fire In The Hole representa el tercer sencillo del disco y es probablemente una de las composiciones que mas destaque dentro del mismo. Con lo anterior, no quiero decir que sea una canción trascendental y relevante en la carrera del conjunto estadounidense, pero dentro de todo lo aburrido y tedioso que puede resultar el álbum, algo decente y rescatable se puede obtener.

Josephina: Nuevamente las guitarras acústicas nos invaden en el comienzo de Josephina. Eddie aporta buenos fraseos y notas mantenidas con su guitarra eléctrica. Las guitarras acústicas, por momentos, se doblan y caen en un juego de primera y segunda voz u octavas. Sin embargo, lo que en un inicio se vislumbra como una balada romántica y emotiva, se convierte en una cadencia con intervalos de fuerza y agresividad e intervalos de tranquilidad y calma. El solo de Eddie nos entrega el momento más alto del tema, ya que el resto mantiene una estructura extraña y de la cual no se logra captar del todo la idea. Es uno de los momentos más bajos de la voz de Cherone, se nota que este tipo de temas experimentales y con cambios de métrica no le acomodan del todo. El coro, si es que lo podemos llamar así, no proyecta nada rescatable o significativo y pasa totalmente desapercibido. Al comienzo uno disfruta de esas sonoridades en las guitarras acústicas, sin embargo, y conforme avanza el tema, llegamos a decir: Que pase el siguiente….

Year To The Day: El comienzo acústico de Year To The Day es agradable y deleitable, ya que tiene tintes y aires a guitarra española o flamenca; incluso se escuchan unas castañuelas por ahí. Cherone comienza a entonar los versos de manera emotiva y melancólica acompañado siempre de la melodía acústica de Eddie hasta que, en el minuto 2:10, Cherone hace explotar el tema con la frase: ¡¡¡A year to the day !!!. Con esto el tema toma una métrica progresiva y rockera, en la cual Cherone se desenvuelve con gran calidad y soltura. Vuelta nuevamente a las guitarras acústicas y sentimentales hasta la parte del A year… que mencionaba anteriormente. El tema se desarrolla por estas dos métricas, por un lado la acústica y melancólica y por el otro la progresiva y rockera; destacando por sobretodo la rockera en donde la banda se proyecta de mejor manera y forma.

Primary: El otro instrumental del álbum se nos presenta con Primary. Instrumental acústica a cargo de Eddie con toques de la India y de sitar. Al final, se escucha una sonoridad mantenida con aire futurista y experimental. Su corta duración y su poco sentido de musicalidad, lo hacen pasar sin pena ni gloria.

Ballot Or The Bullet: Ballot Or The Bullet es otra de las composiciones más destacadas del disco y compite muy de cerca con la calidad de Fire In The Hole, la cual ya he mencionado como otra de las rescatables del álbum. Con unos fraseos iniciales interesantes y distorsionados, con ese sonido característico de la banda, el tema estalla en un riff cañero, movido y rescatable. La canción me hace acordar a esos temas hardrockeros y movidos de la época de Lee Roth en la banda como On Fire, Romeo Delight, Hot For Teacher, etc. Cherone se muestra cómodo y de manera plena en toda la composición entregándole poder, fuerza y energía en cada pasaje. El solo muestra virtuosismo y habilidad moviéndose por ritmos cortantes y cambiantes. El coro es enérgico y se eleva a través de la voz de Cherone.

How Many Say I: How Many Say I tiene un comienzo bastante extraño con unos teclados entrecortados, sin embargo, tienen una melodía agradable y amena. El tema se nos presenta como una balada sentimental y emotiva y a Cherone se lo nota mas comprometido en la parte vocal. El tema me hace acordar a aquellas baladas de melancolía y tristeza que se pueden apreciar en el disco The Wall de Pink Floyd. Las voces que se aprecian en el coro y en los versos de la canción resultan deleitables para el oyente y lo transportan por esa sensación sentimentalista y emotiva que tienen este tipo de composiciones. Destacar el trabajo en los teclados por Eddie, no solo sabe tocar bien la guitarra, sino que también lo hace realmente bien en las teclas. A pesar de no ser una balada que quede en la memoria colectiva de la fanaticada de la banda, constituye un cierre agradable para el álbum en cuestión.

Habiendo escuchado toda la discografía del conjunto estadounidense puedo decir, a ciencia cierta, que este constituye su trabajo discográfico mas bajo y de poca calidad en comparación con el resto de su trayectoria musical. Al parecer en este álbum, Van Halen perdió el rumbo y el camino que tantos éxitos le habían entregado en el pasado; tal vez se deba a ese sentimiento de incertidumbre y confusión que existía al interior de la banda. Quizás la voz y el potencial de Cherone no se aprovecharon de la mejor manera posible, y esto, se puede deber al bajo nivel y calidad de las canciones del disco. A pesar de que Michael Anthony sale en los créditos del disco, este simplemente participo en el bajo de los tres sencillos del álbum, los demás bajos quedaron a cargo de Eddie Van Halen. Luego de este trabajo discográfico, Van Halen opto por un extenso silencio musical, el cual se demoraría alrededor de 14 años en entregar un nuevo álbum (A Different Kind of Truth).

“…And you're the one I want (the one I want)
The only one I want (the one I want)…”

Ace Frehley (1978) - Kiss - Critica

En el año 1978, Kiss había alcanzado una notoria popularidad y un merecido lugar dentro de la escena del Hard Rock mundial. El grupo se había transformado rápidamente en una de las agrupaciones más importantes y prominentes a nivel global del estilo y sus miembros disfrutaban de los beneficios y status que les brindaba ser considerados como rockstars. La trayectoria que forjaron por medio de albums como Kiss, Destroyer, Love Gun, entre otros, posibilitarían el alcance de este lugar y status. Sin embargo, las relaciones entre los miembros del conjunto estadounidense no eran muy amenas ni de las mejores. Esto se debía, principalmente, a la participación compositiva que tenia cada uno de los miembros dentro de las canciones de la agrupación.

Kiss, compositivamente, pertenece a dos nombres: Paul Stanley y Gene Simmons. Sin embargo, en el año 1978, se hizo latente la exigencia, por parte de Peter Criss y Ace Frehley, de una participación equitativa en la composición de las canciones del conjunto. Para resolver este problema, Paul Stanley, principalmente, fue quien propuso que cada uno de los miembros debería realizar un disco en solitario, en el cual podrían expresar su libertad compositiva y creativa a cabalidad, pero con la condición de que estos trabajos discográficos serian considerados como parte integral de la extensa trayectoria discográfica de la agrupación estadounidense.

A pesar de los diferentes tipos de composiciones que podemos encontrar en los discos de los miembros de la banda, fue el trabajo discográfico de Ace Frehley el que logro mayor atención, notoriedad y ventas por sobre los otros trabajos del resto del conjunto. Esto provocaría la sorpresa y leve molestia de Gene Simmons quien pensaba que su trabajo seria el más reconocido y vitoreado dentro de los otros de sus compañeros de banda. Lo anterior, mas el fracaso y decepción por los resultados obtenidos con la película de la banda, irían condicionando las malas relaciones y tratos entre los miembros del grupo.

Rip It Out: El disco comienza con la enérgica y rock and rollera Rip It Out. Este tema nos rememora a aquellos temas bailables, cañeros y rock and rolleros de Kiss en años anteriores como Makin’ Love, Tomorrow and Tonight, Strutter, entre otros. La voz de Ace no es desconocida para los oyentes de Kiss, ya que Shock Me del disco Love Gun fue compuesta e interpretada vocalmente por el. La voz de Ace es rockera, áspera y cortante acomodándose perfectamente a los riffs rockeros, sólidos y pesados que se proyectan a través del disco. Esta canción posee riffs y acordes bastante sencillos, pero que resultan efectivos y contagiosos para el oyente. Posee un coro pegajoso, pintorezco y pegadizo. Anton Fig aporta buenos pasajes y ritmos en la batería los que le dan un plus al tema, además de las líneas en el bajo que se escuchan marcando la métrica. Si Ace se destaca por algo es por su calidad y habilidad en las seis cuerdas, y lo deja demostrado con un solo cargado de melodías rápidas y virtuosas. Este corte corresponde a uno de los puntos más altos del álbum.

Speedin' Back to My Baby: Otro de los cortes destacados del disco corresponde a Speedin' Back to My Baby. Este tema nos presenta, en un comienzo, una línea de guitarra eléctrica constante y marcada que se duplica en un determinado momento, apoyada en todo momento por los ritmos cortantes de los platillos de Fig. De ahí en adelante, el tema se desenvuelve por una base rockera y cañera que nos conduce a un coro pegajoso y contagioso, en el cual se deja ver un riff de guitarra de gran calidad y efectividad, sobretodo por su sonido seco y palmeado. A partir del minuto 2:01 se deja escapar un solo de gran factura que desemboca en la línea eléctrica incorporada al comienzo del tema. En el coro Frehley es apoyado por las voces de David Lasley y Susan Collins.

Snow Blind: Bajando un poco el nivel de sus antecesores nos llega Snow Blind. El tema posee una base mas pesada y fuerte que sus antecesores, rayando, a momentos, en sonoridades heavys y crudas. El ritmo es marcado y constante, sin embargo, no logra entusiasmar demasiado al oyente, ya que no posee un coro empalagoso o pegadizo. A partir del minuto 1:45, la métrica cambia radicalmente, tornándose un tema rápido y cañero a mas no poder, con el condicionante del solo de Ace plagado de velocidad y virtuosismo. Luego, volvemos al riff principal y constante para finalizar un tema correcto que no deslumbra, pero tampoco aburre. Hacer un hincapié en el efecto sonoro y espacial en la voz de Frehley que se hace notar en el coro mayoritariamente.

Ozone: Las guitarras eléctricas y acústicas se entremezclan para dar inicio a Ozone. Luego de esto, el tema se desenvuelve por una cadencia un tanto deprimente, repetitiva y constante, en la cual se proyecta una voz forzada y rockera de Frehley haciéndose notoria en los versos del mismo. Los puentes y pasajes intermedios son lo más destacado del tema vislumbrándose a través de guitarras dobladas y distorsionadas con sonoridades orientales, asiáticas y con aire espectral. El tema no posee solo de guitarra ni tampoco una línea vocal que se le pueda atribuir el titulo de coro, por tanto, pasa casi imperceptible o en segundo plano con el resto de los temas del disco.

What's on Your Mind?: Otro de los temas sobresalientes y gancheros del disco nos llega con What's on Your Mind?. El tema se mueve por un ritmo cañero, ganchero y prendido que desemboca al finalizar cada verso en una línea de acordes arpegiados. El coro se mueve por esta última línea y se convierte en un coro realmente adictivo y contagioso. Los efectos de eco y voces dobles son excelentes potenciando el tema durante su duración. A pesar de que el solo de guitarra es algo discreto, la canción esta plagada de energía, entrega y fuerza. Nuevamente, David Lasley y Susan Collins ayudan a Frehley en sus líneas vocales, aportando esos “Uh…uh…uh...” que sirven de puente para el explosivo y pegajoso coro.

New York Groove: La canción con un sonido similar y parecido a The Rolling Stones nos llega con New York Groove. Este tema tiene un ritmo más calmado y mesurado que sus antecesores, pero no pierde fuerza ni garra dentro de su duración. El ritmo es constante, marcado y seco dejándose llevar por una línea de guitarra bastante rockera y progresiva y una batería que lleva la métrica de un golpeteo o marcha de pies en el suelo que marcan el ritmo. David Lasley y Susan Collins ayudan a Frehley en el coro proyectándolo y potenciándolo para no caer en la métrica repetitiva o frecuente. Un tema que calma las revoluciones y que logra su cometido de ser agradable y dulce para el oyente.

I'm in Need of Love: Ace Frehley tiene el titulo de Spaceman o hombre especial por sus los sonidos espaciales, experimentales y psicodélicos que logra en su guitarra Gibson Les Paul. El apodo no le queda grande y lo demuestra con la rockera y espacial I'm in Need of Love. El tema se desenvuelve por un riff que mezcla una línea rockera con una línea plagada de efectos espaciales y experimentales. El coro es correcto y discreto deslumbrándose una voz de Ace bastante cómoda y segura. El solo de guitarra aporta el cambio de ritmo y métrica entregando rapidez y virtuosismo.

Wiped-Out:Este tema comienza con la batería marcada y rítmica de Fig desencadenando las risas y voces selváticas diciendo ”Wiped Out…”. Comenzando con unos acordes con efectos ambientales, el tema se desenvuelve por un ritmo funk y rápido, imitando el estilo de algunas canciones de Jimi Hendrix. Nuevamente, se presentan las voces dobladas y ambientales en los versos, pero en el coro cambia a una voz rasposa, poderosa y rockera utilizándose efectos de eco. El ritmo es más funk, como mencione al comienzo, pero tiene elementos y ritmos bastante progresivos expresándose en esos coros estilo western que se dejan escuchar. El tema en si, es de un estilo experimental y fusión, combinando diferentes elementos de distintos estilos de música.

Fractured Mirror: El tema instrumental del disco se nos presenta con Fractured Mirror. Con el comienzo de unas campanillas, el tema se mueve por una línea acústica corriente y constante. Al incorporarse la batería con suavidad, se van escuchando los acordes eléctricos que van marcando los cambios de ritmo en el tema. Luego, se torna en un ritmo más experimental y psicodélico, mezclándose sonoridades y líneas de guitarra eléctrica y acústica. Sinceramente, pienso que este tema no aporta nada al disco y queda simplemente como una cadencia ajena y lejana.

Como dije en los primeros párrafos de esta critica, este disco se debe considerar dentro de la trayectoria musical de Kiss. Por tanto, no representa un disco realmente relevante y significativo comparado con otros trabajos discográficos realizados por el conjunto estadounidense. Sin embargo, es curioso que una banda lance discos, considerados como propios, siendo que son trabajos en solitario de los miembros de la misma. El Spaceman fue el mas reconocido y quien mas vendió dentro de los cuatro trabajos discográficos de los miembros de la agrupación, y por algo será ¿No?....

“…If only you would give me a reason
Why you're so uptight, what's on your mind?…”

Burn (1984) - Deep Purple - Critica

Después de la agotadora y agobiante gira del exitoso Machine Head, y de la forzada grabación y lanzamiento de Who Do We Think We Are, Deep Purple se vería envuelto en una serie de problemas y dificultades, principalmente, asociado a las relaciones interpersonales que mantenían los miembros del conjunto. El éxito que alcanzaría el conjunto luego del lanzamiento del Machine Head seria tal, que a la banda le lloverían conciertos y recitales en diferentes lugares a lo largo del mundo. Esto ocasionaría, que tuvieran que estar por un largo periodo de tiempo dentro de una intensa y agotadora gira (Considerando la grabación del próximo disco Who Do We Think We Are en medio de esta), que los ánimos y caracteres de los miembros de la banda se caldearan y se hicieran insostenibles entre los mismos. Según palabras de los mismos, de los siete días de la semana, tenían que estar aproximadamente 4 o 5 de gira y 2 o 3 dentro del estudio de grabación, por tanto, el poder visitar a sus familiares, amigos y conocidos resultaba imposible.

Cuando la situación se volvió insostenible e irreconciliable, Ian Gillan decidió renunciar a la banda para centrarse en sus proyectos personales y musicales. Adicionalmente, Roger Glover seria expulsado de la banda por decisión del resto del conjunto, principalmente, por la de Ritchie Blackmore, quien, en ese  momento, era el líder indiscutible y soberano de la banda.

Ya sin Glover ni Gillan al interior de la banda, Blackmore se daría a la tarea de buscar a los posibles y futuros reemplazantes. Ritchie comenzaría a recorrer bares y pubs en donde tocaban diversas bandas con el fin de encontrar a los mejores candidatos para ocupar los puestos de vocalista y bajista. Ahí fue cuando descubrió a dos diamantes en bruto: los vocalistas David Coverdale y Glenn Hughes, este ultimo además tocaba el bajo. Con esto, se generaría la formación llamada “Mk III”, la cual contaría con David Coverdale en las voces, Glenn Hughes en las voces y bajo, Ritchie Blackmore en las guitarras, Jon Lord en los teclados e Ian Paice en la batería. Adicionalmente, el puesto de Coverdale estaba contemplado para ser ocupado por Paul Rodgers, sin embargo, este rechazaría el ofrecimiento de Blackmore para ocupar el puesto.

Burn: El disco comienza con la agresiva, enérgica y explosiva Burn. El riff principal, a cargo de Ritchie Blackmore en su Fender Stratocaster, constituye uno de los riffs más reconocidos y vitoreados en la historia del Rock. El tema va agarrando forma y fuerza a medida que se van incorporando los diferentes miembros de la agrupación. Coverdale ruge agresividad y fiereza en cada una de sus líneas vocales a lo largo de toda la canción. Hughes le colabora en esta tarea en el coro y los puentes vocales. Quiero destacar el trabajo realizado por Ian Paice durante la composición, la proyección de cambios de ritmos constantes y métricas a la velocidad de la luz son asombrosas y brillantes; yo me atrevería a decir que es uno de los mejores trabajos en batería dentro de la extensa carrera de Deep Purple, además, si se fijan bien, constituye un solo de batería desde el comienzo hasta el final (¡¡¡Así es!!! 6:04 minutos de solos de batería a cargo de Ian Paice). Siempre se ha comentado que Ritchie Blackmore es el creador o el gran prócer del rock neoclásico, y vaya que tienen razón aquellos que le han otorgado este calificativo o apelativo, ya que en el solo de guitarra Blackmore despliega toda su técnica y virtuosismo neoclásico inspirado en los grandes compositores de música clásica como Beethoven, Bach, Mozart, Vivaldi, Paganini, entre otros; entregándonos ritmos y sonoridades cargadas de velocidad, destreza y métrica.

Adicionalmente, cuando un guitarrista encuentra un complemento perfecto con otro instrumento, en este caso el teclado Hammond de Jon Lord, se potencia y proyecta en una simetría sonora brillante y delirante. Jon Lord nos deslumbra con un solo lleno de velocidad y virtuosismo en su teclado Hammond con ese característico y peculiar sonido que lo convertido en un tecladista único y admirado. Los coros y puentes del tema resultan pegadizos y contagiosos provocando en la audiencia efervescencia y euforia total; quien no ha querido gritar alguna vez: “All I hear is Burn! o Still I hear Burn!”.

Might Just Take Your Life: El comienzo de Might Just Take Your Life es realmente curioso e inusual, esto debido a que el ritmo principal y la columna vertebral del tema son realizados por Jon Lord en su teclado Hammond imitando el sonido rockero y duro de una guitarra eléctrica distorsionada. El tema se desenvuelve en el riff principal de Lord hasta que hace su ingreso Paice con redobles y ritmos en la batería. Blackmore queda en segundo plano durante toda la canción, aportando principalmente los cambios de ritmo y la métrica mesurada del tema. A pesar que el tema es más tranquilo y sencillo, en comparación a su antecesor, no deja de aportarnos un coro bastante pegadizo y una métrica bastante cañera. Nuevamente, el juego de voces entre Hughes y Coverdale es el responsable de potenciar y proyectar los versos y el coro. Lord se adueña del tema, a contar del minuto 3:35, deslumbrando buenos pasajes y ritmos característicos en su teclado apoyado por la voz coral del resto de sus compañeros.

Lay Down, Stay Down: Con una cadencia de sonido asiático y oriental en los teclados,apoyados en parte por la batería, da inicio Lay Down, Stay Down. Los redobles y cambios de ritmo de Paice dan paso al un riff rockero,  variable y enérgico en las cuerdas de Blackmore. Coverdale y Hughes van cambiando y turnándose para cantar las estrofas  del tema, uniéndose, en parte, en el coro del mismo; sobretodo en las partes donde dicen al unísono: “Lay Down, Stay Down”. La composición cuenta con ritmos variantes y cortantes, pasando y jugando por las líneas del rock mas duro al rock and roll mas bailable. Blackmore muestra un solo bastante correcto, cortante y variable rayando en las líneas del Hard Rock y el Rock Progresivo. El coro no es tan contagioso o pegadizo como los anteriores, pero no deja de ser disfrutable o agradable para el oyente.

Sail Away: Con una introducción espacial y experimental da comienzo Sail Away. El riff de Blackmore es marcado, constante y conduce el tema durante toda su duración. El juego de las cambiaditas ocurre naturalmente entre Hughes y Coverdale, manifestándose en los versos y estrofas del tema. Sin embargo, en este tema se ven mas entregados y comprometidos que en el resto de las interpretaciones, a excepción de Burn en donde ambos rugen fuerza y agresividad rockera. El solo en el Hammond se muestra lleno de ritmos y musicalidades experimentales, psicodélicas y espaciales recordando al Deep Purple de aquel disco llamado Fireball. Blackmore toca un solo bastante discreto e imperceptible para el oyente. A pesar de que el tema no tiene un coro pegadizo y a ratos puede presentar ritmos melancólicos y deprimentes, según mi opinión, es una de las grandes composiciones e interpretaciones del disco, que requiere de varias reproducciones y escuchadas para que quede sonando, retumbando y gustando.

You Fool No One: Los ritmos de samba y psicodelia en la batería de Paice marcan el inicio del riff rockero, psicodélico y con efecto wah wah de Blackmore. Dice un dicho popular que la unión hace la fuerza y en este tema queda demostrado; todos son participes en las interpretaciones vocales de los versos y estrofas habiendo puentes musicales en donde se proyectan las voces de Coverdale y Hughes. Este tema es el más psicodélico de todo el disco y recuerda en parte a los Deep Purple de aquel In Rock con esos ritmos cortantes, cambiantes, psicodélicos y eufóricos propios de los efectos alucinógenos de las drogas. A partir del minuto 1:55, la banda se une de manera simétrica en unas sonoridades repletas de cambio de ritmo y psicodelia. Todo esto, da paso al solo de Blackmore, en el cual demuestra habilidad y fuerza psicodélica recordando por momentos al estilo  y sonio característico de Santana. El tema nos muestra grandes pasajes y ritmos, sin embargo, no deja de parecerme muy cercano al estilo de canciones de Carlos Santana con ese sonido de samba, rock y psicodelia.

What's Goin' On Here: Nuevamente, Blackmore y Paice son los encargados de comenzar una canción y con este What's Goin' On Here nos muestran que la cosa se nos viene con un ritmo rockero y pesado. El riff principal dura solo unos segundos y transforma al tema en una canción con pasajes y ritmos agradables, cañeros y mesurados. El juego de voces de Hughes y Coverdale en los versos y coro es una constante durante el tema. Destacar los finales de las estrofas, en donde tanto Blackmore como Lord aportan fraseos y licks interesantes que le dan fuerza y estructuran al tema. Mención aparte para el solo de Blackmore y Lord,vaya que se manejan bien estos tipos tocando diferentes tipos y formas de Rock; ambos solos de gran factura y calidad. El coro vuelve a ser pegajoso y contagioso lo que resulta agradable para la reproducción de la canción.

Mistreated: El tema más largo y extenso del disco se deslumbra con Mistreated. Este tema, para mi, significa Coverdale y Blackmore. Coverdale es el encargado de cantar todo el tema y mostrarnos su calidad y efectividad en la voz. Este es sin duda el mejor trabajo vocal de Coverdale en el disco, y quizás de su breve trayectoria por el conjunto ingles, ya que nos muestra esa voz rasposa, desgarrada y sentimental en su máxima expresión. Se nota que a Coverdale le acomoda cantar el tema y lo conduce con fuerza, fiereza y potencia. Blackmore, por su parte, nos proyecta el riff conductor del tema que entrega esa cadencia rockera, deprimente y agresiva. El solo de guitarra es frecuente en el conjunto ingles, y Blackmore se adueña de el tocando prácticamente 1:30 minutos de un solo cargado de sentimiento y expresividad. El resto de los miembros contribuye con Blackmore y Coverdale, dándole un plus a estos y al tema en si.

A 200: A 200 corresponde al tema mas experimental y mas bajo del álbum. Es un tema netamente instrumental, el cual en su sonido psicodélico incorpora elementos espaciales, orientales y experimentales. Lord es quien mas se luce en este tipo de temas, ya que a través de sus diferentes tipos de teclados puede lograr todas las sonoridades que te puedas imaginar. Blackmore no podía ser menos y toca un solo durante la canción, sin embargo, lo encuentro forzado y que es para no quedar en según plano. En este tema es donde mas se puede escuchar el bajo de Hughes, ya que en el resto de los temas pasa casi imperceptible. Paice deslumbra buenos cambios de ritmo y melodías a cargo de su batería. A pesar de toda la parafernalia, pienso que es el tema más bajo del disco, incluso diría que es un relleno.

Burn representa uno de los cinco trabajos discográficos que son indispensables en la discografía de Deep Purple, siendo los otros, Machine Head, In Rock, Stormbringer y Perfect Strangers. Me refiero a estos como indispensables, porque considero que marcaron los más grandes y reconocibles temas del conjunto ingles, además de marcar aquel sonido característico y único que posee la banda. Sinceramente, espero realizar críticas a discos que no sean considerados como obras de arte del Rock, para poder tener la visión desde diferentes ángulos de aquellos discos que son mas discretos y no tan reconocidos por los fanáticos de las diferentes bandas del Rock. Mal que mal toda buena banda debe tener discos malos y buenos.

“Still I hear "Burn!...”