Couldn't Stand the Weather (1984) - Stevie Ray Vaughan - Critica

 

El vínculo entre Epic Records y Stevie Ray Vaughan seguiría cosechando éxitos. Atrás quedo la Fender Stratocaster y se le dio la bienvenida a la Hamilstone SRV, además de otorgarle a las canciones un carácter un tanto más comercial de lo que fue el primer intento, Texas Flood.

En esta oportunidad, tenemos una mayor producción en la grabación y el sonido de SRV, así como su participación y desplante en videos musicales, principalmente en Cold Shot y Couldn't Stand the Weather. En su primer trabajo discográfico, solo tendríamos el video de Love Struck Baby.

El disco comienza con la rápida y virtuosa Scuttle Buttin, la cual muestra el desplante en el mástil y la velocidad en los dedos del propio SRV. Un clásico del instrumental y un desafío para todo guitarrista seguidor de SRV. Una cadencia hipnótica que te atrapa en el primer instante y se mantiene sobre una base rítmica monótona, la cual permite que SRV brille con luces propias.

Los acordes bajo el efecto tremolo característico de Jimmie Vaughan, en conjunto con los fraseos de SRV con ese sonido fuzz y tube screamer, dan forma al tema homónimo del disco, que se mueve por una base bastante Funk con un uñeteo furioso de SRV, que se une con los acordes y aportes relajados de Jimmie. La base rítmica es sólida y resuena a través de los redobles de Layton y los bajos marcados de Shannon, quienes funcionan como complemento perfecto para SRV y su hermano. La familia Vaughan está más viva que nunca y vino para quedarse.

La cuota de Slow Blues nos llega con ese acorde aumentado, tocado cuerda por cuerda, que da inicio a The Things That I Used to Do. La voz de Vaughan suena rasposa y cruda como acostumbra utilizar para un blues de estas características, otorgándole una mayor emoción a través del uso del fast strumming. Adicionalmente, la incorporación de Jimmie Vaughan con ese sonido tremolo le otorga una mayor sutileza y sensibilidad a la canción.

La pasión y el fanatismo por Hendrix, así como el uso del pedal Wah Wah Vox, llega con Voodoo Child (Slight Return), la cual no se diferencia mucho de su versión original, ya que Vaughan la toca de manera minuciosa “nota por nota”. Sin embargo, la voz es claramente diferente del original producto que está en la tonalidad de Vaughan, siendo esto, quizás, el mayor atractivo que tenga esta versión. Como mención honrosa destacar la labor de Layton en la batería, quien presenta redobles y cambios de métrica interesantes, los cuales van jugando con los tiempos y volúmenes del tema.

Tin Pan Alley es una canción relajada y derechamente un Slow Blues, que se mueve a través de un sonido monótono en la caja por el que transcurren los fraseos de SRV; conjuntamente con el bajo que le otorga una mayor profundidad. Adicionalmente, representa el tema más extenso del disco, lo que puede convertirse en algo tedioso, ya que la voz de Vaughan también es delicada y somnolienta. Para quienes disfruten del Slow Blues será un verdadero manjar, sin embargo, para quienes les pueda aburrir este tipo de blues, le resultara un viaje al país de los sueños.

El palm mute característico de SRV en ese estilo Shuffle Blues, a través del efecto fuzz potenciado por el tube screamer, se muestra en Cold Shot, el cual presenta una voz tranquila de Vaughan, la cual se mueve por esos acordes cortantes y secos que le van dando forma y corte en la métrica. Una canción que sigue el patrón clásico de un blues de 12 compases, pero que tiene un carácter personal y único a través del sonido Vaughan.

Un turn around clásico de SRV y el redoble de tambores de Layton, marcan el comienzo en la voz de Vaughan con esos cortes en la batería y el bajo marcado de Shannon. Después de estos cortes cantados, se mueve a través de un ritmo Shuffle conocido y nos muestra solos bastante similares a Pride and Joy o I’m Cryin de su anterior trabajo. Sin ser una canción aburrida o tediosa, muestra poca originalidad en el texano.

El solo de batería del invitado Fran Christina marca el comienzo de Stang's Swang. En esta ocasión, tenemos un Vaughan que muestra melodías y acordes basados en el Jazz. A lo anterior, lo acompaña el swing de Christina, las melodías del saxofón del invitado Harrison y Shannon tocando el contrabajo. Si bien suena como una canción poco concordante con el resto del disco, se trata de un experimento instrumental de SRV por probar y tocar otros estilos saliendo de su zona de confort.

Como mencionamos en un párrafo anterior, este trabajo representa un avance y progreso en la producción y composición de SRV. Si bien no tiene tantas canciones emblemáticas como su debut, muestra a un Vaughan que se atreve para adaptarse y hacer propio otros estilos de música que no representan su zona de comodidad. Además, se atrevió a incorporar nuevos instrumentos y elementos en sus composiciones y experiencia en el estudio.

“Like a train that stops at every station,
We all deal with trials and tribulations”

Ahi Viene La Locomotora (2018) - Tren de Medianoche - Reseña

Una joven banda de Blues de la comuna de Estación Central, se formaría durante el año 2017, tomando el nombre de Tren de Medianoche, este, inspirado, en el tren de carga que pasa frecuentemente por la comuna durante las noches, grabaría su primer trabajo en el año 2018.

Haciendo un poco de memoria, durante el año 2015, en algún bar de la calle Santa Isabel, en Santiago de Chile, y a través de la invitación de Oliver Moreira, por aquel entonces armonicista y vocalista de la banda El Rugido, se convocaría a Manuel Mercado, por aquel entonces vocalista y guitarrista de la banda Los Camaleones, Jose Antil y Ricardo Mizraji, por aquel entonces armonicistas y coristas de la banda Cresta de Gallina.

Bajo este contexto, se reunirían las tres bandas a través de una tocata comunitaria en dicho local, en donde al compartir de forma previa a la presentación, se generaría una química y magia musical. Desde ahí en adelante, se comenzarían a reunir, en base a su amistad, para compartir y disfrutar de la música que más les gustaba, El Blues.

Mucho tiempo paso, hasta que, durante el año 2017, Jose buscaría incluir a la banda, cuyo nombre aun no estaba definido, en el cartel de la celebración del Dia Internacional del Blues, en donde participarían reconocidos exponentes del estilo y bandas emergentes a nivel nacional. Tomando el nombre mencionado, procedieron a constituirse como una banda estable con roles definidos, quedando Manuel como vocalista y guitarrista, Jose como guitarrista y corista y Ricardo como armonicista y corista. Una vez realizada esta intervención, la banda comenzaría a tocar frecuentemente en diversos bares y locales de Santiago, hasta el año 2018.

Manuel desde hace un tiempo les venia mostrando composiciones originales al resto de la banda, las cuales, poco a poco, se fueron transformando en las canciones de la misma, por ende, y, principalmente como un deseo de Jose, era necesario grabar estas canciones para la posteridad de manera profesional.

Fue como durante dicho año, que llegaron a Audio Custom Estudio, reconocido estudio de grabación de bandas de Metal y música extrema, a cargo de Sebastián Puente, guitarrista de la banda de Thrash Nuclear, y Christian Olivares, guitarrista de la banda de Death Thrash Lefutray.

Para ambas partes, significaba un gran desafío el proceso de grabación. Por una parte, Christian, quien fuera productor del EP, jamás había trabajado con una banda electroacústica y que menos del estilo Blues; en cambio, para la banda, era un desafío grabar por primera vez en un estudio profesional y adaptarse a las condiciones del mismo.

Un nublado domingo, se grabaría el EP Ahí Viene La Locomotora, donde la banda experimentaría y grabaría en simultaneo, lo cual no estaría exento de problemas. Como el propósito de la banda era sonar lo más fidedigno y real con lo que se presentaba en vivo, se decidió grabar todo en vivo y en simultaneo, lo que implico una gran cantidad de tomas para cada una de las canciones.

Adicionalmente, el proceso de edición fue bastante tedioso, producto de que todo cambio o modificación en la grabación debía ser de manera precisa e imperceptible para el oído, ya que la grabación implico el uso de 3 a 4 micrófonos ambientales más las líneas directas de los instrumentos.

El EP comienza con Mientras Mi Corazón, canción que comienza con una intro, la cual se pretendía dejar como una introducción separada, bastante folk, a través del arpegio en la guitarra de Manuel, lo cual decanta en un curioso Shuffle Blues, el cual tiende a mezclar tantos acordes mayores, menores y semi disminuidos con una letra acerca del amor no correspondido y sufrido. A lo anterior, se le suman los solos y fraseos de la guitarra de Jose y armónica de Ricardo.

Con una letra más melancólica que su antecesora se proyecta en la voz de Manuel Solo Debes Sonreír, donde tanto Manuel como Jose, presentan arpegios en la guitarra apoyados por los fraseos de la armónica de Ricardo. Luego de esto, se produce un corte y la canción toma un aire acelerado y festivo a través de un ritmo Folk Country; cuyo tema central habla acerca de enfrentar y sobrellevar los problemas y vicisitudes de la vida.

Uno de los clásicos de la banda, se presenta con Estación Central, un tema bastante significativo que habla acerca de una aventura o historia de amor a través de un viaje en tren, una forma directa de referenciar y homenajear a su comuna. Adicionalmente, tiene un ritmo Blues, pero más suave y mesurado, donde Ricardo luce con creces a través de un solo virtuoso en la armónica.

Un Blues bastante clásico y standard es Perro Callejero, canción que sigue la estructura I-IV-V a través de 12 compases, aunque presenta ciertos cortes que lo hacen interesante y le dan una identidad propia. Además, es una canción donde Jose muestra sus dotes en la armónica a través de fraseos y un directo solo; y Ricardo muestra su rítmica y fraseos en el teclado.

Para la versión de la plataforma Youtube, se encuentra otro Shuffle Blues, con cadencias descendentes, llamado Cuando Me Vaya, cuya consideración de la banda en el EP quedo relegada a bonus track, ya que la grabación de la misma no llenaría sus expectativas.

Luego de la grabación y edición del EP en los estudios mencionados, sería el turno de tomar la fotografía oficial, a través de la fotógrafa Ignacia Águila, quien realizaría la sesión correspondiente en el Museo Ferroviario Quinta Normal. La icónica foto de la portada, representa una suerte de analogía en donde la banda deja en claro que el tren está en movimiento y nadie puede detenerlo.

“Y nos marchamos en un tren
Nos olvidamos del ayer”

Hollywood Fats Band (1979) - Hollywood Fats Band - Critica

Cannet Heat fue una banda de Blues Rock, que funcionaría como un semillero y trampolín de virtuosos guitarristas de Blues, la cual desarrollo su carrera entre composiciones originales y covers relacionadas al estilo; al igual que sus colegas de Paul Butterfield Blues Band o John Mayall and The Bluesbreakers. En esta verdadera institución del Blues, desfilarían grandes músicos de las seis cuerdas como Duke Robillard, Ronnie Earl, Hollywood Fats, entre otros; que darían forma a la nueva oleada del Jump Blues, estilo conocido y explotado por el extraordinario T-Bone Walker.

Uno de estos guitarristas, Hollywood Fats, apodado así por su estilo extravagante de vida y vestir, además de peso excesivo evidente, pasaría un corto tiempo en Canned Heat, el cual le permitiría desarrollar su carrera en solitario. Sin embargo, su único disco y homónimo, en conjunto con el vocalista y armonicista Al Blake, no lograría los resultados esperados, lo que llevaría a Fats a disolver la banda y concentrarse como interprete en diferentes proyectos musicales.

Lamentablemente, a la edad de 32 años, Fats perdería la vida producto de su adicción a la heroína, lo que dejaría una pérdida invaluable de una de las promesas del estilo Jump Blues.

Con una línea bastante virtuosa con tintes de Jazz y Swing comienza el clásico Rock This House, el cual decanta en una rítmica bastante entretenida y dinámica a través del Jump Blues impregnado por Fats en las seis cuerdas. La voz de Blake es lineal y no entrega grandes matices o relieves en su calidad vocal. El solo en la armónica del mismo Al funciona a la perfección en la mitad del tema. Además, la sección rítmica se mantiene dentro de los límites y se acopla perfectamente a la interpretación de Fats, el cual deslumbra a punta de virtuosismo y rapidez en la guitarra.

El clásico Shuffle She’s Dynamite comienza con los acordes octavos en la armónica de Al Blake y estos se proyectan como las líneas centrales y conductoras del tema, conjuntamente con el acompañamiento en los teclados de Fred Kaplak. La voz de Blake, en esta ocasión, es mucho más apagada y gangosa que en su antecesor. En este tema, no vemos a un Fats inspirado, ya que muestra su grandeza en determinados momentos y cuando lo hace entrega más de lo mismo.

El clásico de Clarence Gatemouth Brown Okie Dokie Stomp, es como el examen final de cualquier guitarrista de Jump Blues, ya que representa un Boogie Woogie con una dificultad de ejecución bastante considerable, y el cual ha sido interpretado por todos los grandes guitarristas del estilo. En esta ocasión, tenemos un teclado a tope y una banda de acompañamiento que va marcando el ritmo, a través de este clásico instrumental en donde Fats no falla y derrocha talento.

Suitcase Blues es un tema mucho mas reposado y melancólico, el que se mueve por un teclado con ese sonido vintage clásico de los antiguos Juke Points, lugares en los cuales los afroamericanos iban a bailar y escuchar el Blues, además de una guitarra que va haciendo fraseos y double stops conforme avanza la canción hasta encontrarnos con la voz de Blake, que en esta ocasión tiene esas sonoridades clásicas de los grandes del estilo y cuya intervención con la armónica, la cual suena forzada al comienzo de la canción, le dan un toque acústico y característico.

Con la cadencia descendente de Fats nos vamos encontrando con Red Headed Woman, un Shuffle standard que se mueve nuevamente en la voz y armónica de Blake con la intervención de los fraseos y cortes característicos de Fats, donde lo mas rescatable es la participación de los teclados de Kaplak, quien le da color y relieve a un tema en donde Al es el amo y señor absoluto.

Con una línea en la guitarra más dinámica y cortante comienza Lonesome, canción cuya intervención de la voz es bastante escasa, cuya riqueza descansa en sus ritmos y momentos instrumentales, la cual hubiera quedado mejor como un tema de esta naturaleza. Aquí es donde Fats alcanza su máximo esplendor y proyección, ya que el hilo conductor del virtuosismo y rítmica lo dirige el mismo como un anfitrión, a través de los teclados y bronces de acompañamiento.

Otro Shuffle Blues con un comienzo a través de una línea melódica en la armónica de Blake se presenta con All Pretty Women. Un tema standard del estilo y en el cual hay poco que rescatar, ya que suena a más de lo mismo. Si bien tiene solos virtuosos de armónica y guitarra, una voz adecuada y unas líneas rítmicas clásicas del estilo, no logra proyectar ni entregar emoción.

Con un teclado frenético y seco, apoyado por la línea en contrabajo, donde lugar al riff principal en la armónica, inicia Prettiest Little Thing, otro Shuffle Blues que, a diferencia de sus antecesores, muestra un sonido mucho mas vintage y sucio, cuyo plus se alcanza con el reverb en la voz de Blake, quien muestra líneas interesantes en la armónica, y es donde quizás presenta su mayor nivel dentro del disco en esta materia, opacando las intervenciones remotas de Fats y Kaplak.

El clásico Boogie Woogie Caldonia se muestra de manera adecuada y fiel a su versión original, en donde podemos ver una armónica haciendo el riff principal y conductor de la canción, una guitarra Jump en todas sus líneas con fraseos interesantes a través de esos acordes de sexta y novena, conjuntamente con un teclado entregando acordes y armonías en su máxima expresión.

Con un riff distorsionado en la armónica, el cual descansa en una batería Swing, comienza Poor Boy, el cual corresponde a uno de los temas más emblemáticos y mejor logrados del disco. Lo anterior, se justifica en ese ritmo Swing cortante y cuya base rítmica sumamente sólida, el teclado y la guitarra entregan líneas de acompañamiento exquisitas y la voz de Blake brilla en su ejecución. El trabajo realizado por la armónica en todo el tema es lo mas interesante en la ejecución de un solo cargado de sentimiento y unas líneas en staccato que entregan una riqueza abismante.

Have a Good Time se mueve en la línea central de todos los Shuffle anteriores, cuyo mayor detalle se encuentra en los redobles, cortes y arreglos en la batería de Richard Innes, quien hace un gran trabajo a lo largo de todo el tema; lo demás es mas de lo mismo que hemos escuchado en el disco.

Probablemente, el disco no gozo de una gran recepción quizás debido a su excesiva cantidad de covers lo cual no atrajo al publico objetivo de aquella época, quizás su poca variabilidad o diversidad de estilos en sus canciones lo transformo en un álbum monótono y aburrido, quizás tuvo una mala promoción y distribución dentro de la industria musical, entre otras. Las razones reales e ilusorias son muchas, sin embargo, sería el único material de la Hollywood Fats Band producto de su pronta partida. En esta materia, también existe una versión extendida del disco, la cual rescata otros temas grabados y olvidados del proceso más algunos temas en vivo.

“Why don't ya come on down,

Let me tell ya what I got now”

Texas Flood (1983) - Stevie Ray Vaughan - Critica

Un desconocido guitarrista, junto a su banda The Double Trouble, cuyo único reconocimiento era ser el hermano del fundador y guitarrista de The Fabulous Thunderbirds, Jimmy Vaughan, llamaría la atención desde un comienzo, sobretodo en las mentes de Mick Jagger y David Bowie, ya que este tipo en las seis cuerdas poseía una versatilidad y virtuosismo particular para un guitarrista.

La popularidad casi inmediata de Stevie Ray Vaughan, lo llevaría a tocar en el disco Let’s Dance del versátil Bowie, obteniendo aún más reconocimiento para su persona. Sin embargo, su camino siempre estuvo en la línea del Blues Rock, cuya base era el sonido Texas, popularizado por los barbones ZZ Top.

Epic Records fijaría sus ojos en Vaughan proponiéndole grabar su primer disco solista, conjuntamente con su banda, el aclamado Texas Flood, en donde, en su mayoría, se presentan más covers que temas originales, pero dandole una identidad y carácter propio de su interprete. Con lo anterior, se comenzaría a gestar la leyenda y el resurgir del llamado Blues Moderno.

El disco comienza con la frenética Love Struck Baby, la cual, a través de un fraseo característico da pie a un tema Boogie Woogie, el cual muestra una voz acelerada y un ritmo frenético que descansa en las líneas bluseras de la guitarra, teniendo su principal atractivo en los cortes de métrica realizados por la mano de Vaughan.

Un clásico de Vaughan, que ha traspasado las barreras físicas y temporales, se presenta con Pride and Joy, un clásico Shuffle que tiene su principal gracia en sus dinámicas letras y vocalizaciones, entregando licks que son considerados como fundamentales para aprender el estilo Blues.

El primer cover del disco, se muestra con el Slow Blues Texas Flood, y que da nombre al disco, un tema cargado de sentimiento y donde las notas con sustain son parte del desempeño de la guitarra, conduciendo al oyente por una canción cargada de emotividad y expresionismo.

No podía faltar el clásico de Howlin´ Wolf, Tell Me, el que descansa en ese ritmo Shuffle Blues con staccato, cuya rítmica de 12 compases se mueve en la voz limpia de Vaughan, siendo la sección rítmica lo más atractivo, funcionando como complemento perfecto al sonido clásico de SRV.

Con esos acordes rítmicos cortantes utilizando, principalmente, acordes de séptima con novena aumentada, se mueve Testify, un cover instrumental que funciona como una sección placada de virtuosismo en la que Vaughan se moviendo acompañado de una sección rítmica que jamás le pierde el ritmo a través de sonoridades Groove Blues.

Con un ritmo frenético fuertemente inspirado en el Rock and Roll y Folk Country se muestra Rude Mood, la cual conforme va avanzando va incorporando los instrumentos de la sección rítmica. Al igual que su antecesora, funciona como un ejemplo instrumental donde se muestra la habilidad de SRV en todo su esplendor.

La nueva reversión del clásico de Buddy Guy, Mary Had A Little Lamb, es super interesante de escuchar por dos factores: la utilización de los acordes 7#9 que le dan ese carácter cortante y Funk y la interpretación del propio Vaughan, la que si bien muestra un voz baja y calmada, se adueña del tema y le da un carácter sumamente único, personal y sincero.

Dirty Pool a través de una tormenta de acordes con novena y la utilización de la técnica del Fast Strumming para remarcar su sensibilidad en la guitarra se mueve como un Slow Blues, en donde SRV nos presenta una voz cansada y sufrida con la finalidad de darle más relieve a la canción.

I´m Cryin´ sigue la línea de temas como Pride and Joy, ya que es un Shuffle Blues con una línea melódica y vocal similar a la mencionada, aunque no logra generar el mismo efecto que su antecesora, quizás por tener acordes y licks similares que hacen que pierda identidad.

El tema más experimental y desarrollado del disco, nos llega con la instrumental Lenny, la que se muestra como un tema muy en la línea Hendrix, y que presenta una serie de tonalidades limpias y armónicas que se fusionan de forma perfeta generando un manjar de emociones.

Texas Flood sería el comienzo del camino para una leyenda que se apagó bastante pronto, ya que el año 1990, sufriría un accidente en helicóptero que le quitaría la vida. Pudo haber entregado más sin dudas, pero a veces el destino quiere otras cosas. De este disco en adelante, SRV iría explorando nuevos caminos dentro de la música como el Pop o Rock, aunque sin perder su esencia de Texas Blues o Rock Blues. Una llama que se apagaría demasiado pronto, pero que redefinió un género que se encontraba abandonado…

“She's my sweet little thing,

She's my pride and joy”

Riding With The King (2000) - B.B. King & Eric Clapton - Critica

Innumerables han sido los homenajes al Blues a lo largo de los años. Muchos de estos, han sido realizados a grandes canciones y exponentes del estilo afroamericano, sin embargo, de forma póstuma a sus propios autores e intérpretes.

No es desconocido el gusto por el Blues que radica en la figura de Eric Clapton. A través de los años, se leía en calles inglesas “Clapton is God” producto de su virtuosismo en la guitarra de este particular estilo interpretado por afroamericanos y popularizado por los años 40´s y 50´s.

En este contexto, Clapton comenzaría la grabación de una serie de discos homenajes al Blues como: Me and Mr. Jhonson, From the Cradle, entre otros. Probablemente, el mas significativo en esta materia, sea Riding with the King, en alusión a la participación activa de su ídolo y amigo BB. King. Una relación que se canalizaría en varias participaciones tanto de uno como del otro en varios materiales lanzados en vida. Recordar que BB fallecería en el año 2015 con 89 años.

El disco parte con el tema homónimo del disco, y probablemente el mejor del mismo, Riding With The King. Una canción que, si bien cuenta con una rítmica monótona, clásica del estilo, resulta atractiva y cautivante, a través de sus versos cantados, donde predomina la voz de Clapton junto a los coros, fusionados con las líneas solistas de Clapton y King, predominando más este último. A lo anterior, se le agrega un teclado que entrega pasajes inspirados en el sonido Hammond y unos coros que respaldan las líneas vocales. Es un tema que sabe sacarle provecho a todas las fortalezas de sus participantes, dejando de lado las debilidades o problemas que puedan presentar estos.

El clásico de King, Ten Years Long, no podría ser interpretado de otra forma que por el mismo BB. Un Slow Blues con todas sus letras, teniendo la emotividad y sentimentalismo clásico de este tipo de temas con la voz rasposa y gastada de King, donde nuevamente el teclado toma un carácter protagónico y la guitarra de Clapton sirve como un acompañante perfecto.

Otro clásico del estilo, Key to the Highway, ya versionado por Clapton con su banda Derek and the Dominos (http://ladimensiondelrock.blogspot.com/2020/03/layla-and-other-assorted-love-songs.html) toma protagonismo con la voz de mismo, a través de esos pasajes acústicos que nos recuerdan al Delta y Mississippi, sonidos propios del Blues más purista y rudimentario. Se va sumando la voz de King, que suena bastante cansada y forzada, para intercalar versos y estrofas con su amigo Eric, quien se ve mucho más cómodo y seguro en esta ocasión.

La distorsión wah wah al estilo Hendrix nos llega con Marry You, tema que toma fuerza con la incorporación del bajo y la batería. Nuevamente, Clapton y King se van intercalando los versos y estrofas del mismo, tomando fuerza en el coro de la canción con la participación de los coros. Un tema bastante Pop, que, si no fuera por las líneas solitas de las guitarras y sus pasajes con cambios de ritmo, podría ser perfectamente un tema de Simply Red.

Otro Slow Blues clásico de la mano con Three O’Clock Blues, representando el tema mas extenso del mismo, en el que predominan las improvisaciones de los participantes de la banda. En esta ocasión, tenemos las voces de Clapton y King mostrando emoción en cada uno de sus pasajes. Lo demás es derrochar virtuosismo por todos los rincones de la canción.

Help the Poor nos hace recordar al clásico All Your Love de Otis Rush. De hecho, en su parte rítmica y columna vertebral son idénticas. En esta canción, predomina el sonido característico de King, ya sea a nivel vocal como interpretativo en la guitarra, ya que la voz y guitarra de Clapton suenan algo distantes en su ejecución. Otro punto destacable, es la intervención de las coristas.

Un aire mucho mas rockero nos muestra I Wanna Be, en donde la banda, en sus primeros pasajes, se rinde a la figura de King, quien muestra un desempeño bastante discreto dentro de sus capacidades. Ciertamente, es un tema que le sienta bien a Clapton y rememora ese sonido que lograba con Derek and Dominos. De hecho, si nos fuera por la intervención del mismo, tanto vocal como interpretativamente, conjuntamente con el apoyo coral, la canción pasaría sin pena ni gloria.

Nuevamente, un tema acústico con Worried Life Blues, el cual toca la fibra mas sensible de Clapton, ya que fue uno de los grandes clásicos de su ídolo Freddie King, por tanto, es quien más aporta y participa en cada línea vocal que le toca interpretar y de cada línea virtuosa a mostrar en su guitarra acústica. La participación de King es mas discreta en su función de acompañante. Una canción que representa las preocupaciones y vicisitudes de vivir en el Blues.

Con un ritmo más bailable, clásico del Jump Blues y Rhythm and Blues, nos llega Days of Old, en donde las voces de Clapton y King se encuentran a tope, conjuntamente con el apoyo de las coristas. Es un tema bastante breve, pero que derrocha talento en los teclados y guitarras a través de un ritmo enérgico y fiestero.

When My Heart Beats Like a Hammer es un Slow Blues que muestra exactamente lo presentado por sus antecesoras. King es amo y señor deambulando por rítmicas cargadas de sentimentalismo y virtuosismo a nivel interpretativo, sumándole a esto la improvisación como punto álgido.

Con una improvisación notoria en las guitarras se va desenvolviendo Hold On, I'm A Comin´, la cual en sus primeros minutos se muestra instrumental con la intervención de los teclados, hasta que ingresa la batería y la voz para tornarse bajo la rítmica del Funk y Soul. El desplante de la voz de Clapton se deja ver en los versos y el de King durante los coros. El virtuosismo clásico es formula probada y no falla en esta ocasión.

Un tono nostálgico y melancólico, a través de rítmicas mesuradas, nos llega con Come Rain or Come Shine. Este tipo de canciones le vienen bien tanto a Clapton como a King, quienes pueden mostrar toda su alma y emoción en sus líneas vocales y guitarreras. Sin embargo, la ejecución de la canción, es un tanto extraña y difícil de seguir, siendo que el mismo se apoya en una orquesta. SI bien tiene un comienzo bastante cercano, a medida que avanza se va alejando de su cometido.

Si bien el disco posee solo reversiones de canciones clásicas de Blues, cinco de estas compuestas por el mismo BB, fue galardonado y gozo de gran éxito comercial en su época, vendiendo más dos millones de copias y ganando un Premio Grammy. Si recién te estas empapando del Blues electrificado, este es un buen comienzo para ingresar a este mundo afroamericano con un contexto social y personal sumamente profundo. Si llevas un buen tiempo escuchando este tipo de música, tómalo como un ejercicio o experimento de dos grandes de la escena, ya que sus momentos altos están mas ligados a los sonidos más clásicos y monótonos del estilo, ya que cuando se aleja de los mismos se pierde en un mar de intentos.

“Don't you know we're riding with the king?

Riding with the King”

Layla and Other Assorted Love Songs (1970) - Derek and the Dominos - Critica

Luego de la separación y distanciamiento con las super bandas de Cream y Blind Faith, Eric Clapton tomaría las riendas de su carrera a través del lanzamiento de su primer disco solista, el homónimo Eric Clapton (1970). En aquel periodo, el vicio por las drogas y el alcohol no había bajado, agudizándose este último, debido al impetuoso y desenfrenado amor de Clapton hacia Patty Boyd, por aquel entonces esposa de su amigo George Harrison, sin embargo, por códigos éticos y morales no podía de estar con la mujer que amaba, para lo cual ahogaba su tristeza y agonía escribiendo el único disco de Derek and the Dominos.

Teniendo este antecedente, Clapton reclutaría a Bobby Whitlock en teclado, coescritor de muchas canciones, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería. Asimismo, se les uniría el amigo de Clapton, Duane Allman, quien le daría a la banda un segundo aire y el empujón necesario para poder escribir el disco.

El disco comienza con la tranquila y relajante I Looked Away, la cual, con un ritmo bastante campestre, muestra a un Clapton calmado y relajado en todas sus líneas. La canción se desenvuelve por cambios de ritmos marcados, apoyados en guitarras dobles que constantemente se unen y separan como en una competencia, además de melodías vocales y corales que resaltan la voz de Clapton. Se debe destacar el trabajo de Whitlock en las partes corales y Gordon en los cambios de la batería.

Con una cadencia mucho más melancólica que su antecesora, se mueve la atrapante Bell Botton Blues, la cual durante los versos muestra una tristeza y agonía palpitante catapultada por Clapton, sin embargo, donde más cobra fuerza es en el coro, donde se apoya en las partes corales del resto de la banda y los arreglos sutiles, pero atractivos, en la guitarra.

A través de un ritmo mucho más enérgico y plagado de aquella cuota más clásica del sonido de The Allman Brothers se muestra Keep On Growing. La grabación de esta canción es curiosa, ya que Duane Allman, no participa de la misma, por ende, funciona como una suerte de homenaje al mismo. Con un ritmo mucho más rockero, es un tema cuyo fuerte radica en las melodías y rítmicas de las guitarras dobles, cuyas sonoridades deambulan entre el slide y las notas mas agudas.

El primer cover del disco no podía ser otro que con Nobody Knows You When You're Down and Out siendo un tema de rítmica Blues, el cual le sienta bien al virtuosismo y voz de Clapton. Este tema habla acerca de las desventuras y desdichas que tiene el hombre cuando lo pierde todo y cae al fondo, quizás graficando parte del calvario que sufría el mismo Eric por un amor no correspondido.

La cara B del disco comienza con la relajada I Am Yours, sin embargo, es el tema más extraño y experimental del trabajo. Es un tema que se mueve por guitarras calmas y octavadas acompañadas de unos tambores que permiten llevar el ritmo correspondiente.

Anyday es un tema agresivo y distorsionado que muestra el lado más rockero de Clapton y Whitlock, ya que es una canción donde ambos se van intercalando las voces en cada momento para apoyarse y darle fuerza al tema en todo momento. La presencia de la guitarra slide y las sonoridades de Duane Allman se encuentran a tope y ese sonido característico del mismo es el que más destaca por sobre la guitarra de Clapton.

Nos encontramos con el segundo cover Blues del disco, Key To The Highway, el cual para los amantes del estilo mencionado corresponde a todo un clásico. Nuevamente vemos a un Clapton en su hábitat natural, aunque este al ser un Shuffle tiene ritmos medios mas cortantes y secos. Esta canción es mas bien una jam entre Clapton y Allman que algo netamente planeado, ya que dura cerca de los 10 minutos, todo con el fin de mostrar el virtuosismo de toda la banda.

Tell The Truth es agresiva y desafiante desde un inicio para convertirse en un tema clásico del sonido de la banda apoyado en las melodías vocales desgarradoras de Clapton y Whitlock acompañados de las melodías slide de Allman y las líneas blueseras de Clapton. Un inicio como pocos, un desarrollo con más de lo mismo y un final que se va extinguiendo hasta su agonía.

Con una alta dosis de los teclados Hammond de Whitlock, nos llega Why Does Love Got to Be So Sad?, la cual tiene un ritmo mucho mas frenético y psicodélico que sus antecesoras. La canción representa un tema directo y a la vena, con el clásico sonido de la agrupación, destacando su energía durante los versos y coro, asimismo, como el virtuosismo en sus guitarras.

El tercer cover de Blues y, probablemente, el mejor del disco se desarrolla con Have You Ever Loved A Woman, el cual tiene dos cualidades que hacen que Clapton entrega sentimiento y emoción a través de su voz y las notas en la guitarra. Por una parte, este tema corresponde a Freddie King, el cual debe ser uno de los bluseros mas queridos y admirados por Mano Lenta, conjuntamente con Robert Johnson y B.B. King. Adicionalmente, la letra del tema es sentida y habla acerca de esos amores imposibles que te hacen doler el corazón y te ahogan en la agonía.

La incorporación del clásico de Little Wing, se produjo por la repentina muerte de Jimi Hendrix, por aquel entonces, muy amigo de Clapton. Y es precisamente una versión que utiliza las voces dobles y corales, pero en un sentido de tristeza y agonía por la perdida de un cercano, acompañado de unas guitarras agudas y chillonas con una distorsión y reverb plausible.

Nuevamente, un cover de Blues dentro de una cara del disco. En esta ocasión, con It’s Too Late. Como hemos mencionado, son temas que le acomodan a la voz a Clapton y donde lo podemos ver mostrando su sentimentalismo. Es una canción donde encontramos una voz emotiva y sufrida, la cual se escucha profunda y como un grito agónico por el contexto de su letra (Es demasiado tarde…Ella se ha ido). Un punto alto del mismo, es el solo de slide guitar de Duane Allman.

El tema mas conocido de Eric Clapton, quizás junto a Tears in Heaven o Wonderful Tonight, nos llega con Layla, el cual pienso mirar de varios puntos. En primer lugar, la inspiración de su letra, la cual trata de una leyenda de la princesa Layla (Patty Boyd) que es obligada por su padre a casarse con el pretendiente buscado por su familia (George Harrison), sin embargo, el amor y cariño de ella pertenecen a otro hombre (Eric Clapton). En segundo lugar, el tema se divide en dos partes, una cantada y la otra instrumental, sugerida por Jim Gordon, las cuales marcan el inicio, ascenso, descenso o tempestad y la calma o termino. En la primera parte, notamos a una banda a tope, la cual entrega un tema agresivo y rockero basado en el fraseo característico en la guitarra de Clapton. Este se apodera del tema en todo punto, mostrando una voz carraspeada y enérgica, que se apoya en los coros del resto de la banda. Se debe notar el solo en slide de Allman, el cual simula aquellos sonidos característicos de un canto de delfín y le dan fuerza al sufrimiento del autor. En la segunda parte, tenemos un teclado calmo que se apoya en acordes en su mayoría, con las guitarras de Allman y Clapton acompañando con fraseos y melodías en la guitarra.

La tranquilidad inunda Thorn Tree in the Garden, al cual corresponde a una canción escrita completamente por Whitlock, el cual la canta e interpreta de gran forma, apoyado en unas guitarras acústicas y unos toques sutiles de tambor. Quizás suena algo extraño dentro del disco, ya que tiene el sonido único de Whitlock, pero sirve para dar tranquilidad y termino al mismo.

Probablemente, lo más flojito del disco sea I Am Yours por su carácter extraño y experimental, sin embargo, es un disco que, a pesar de su vasta cantidad de canciones, no posee desperdicios o rellenos aparentes. Además, es un trabajo discográfico donde podemos ver a un Clapton inspiradísimo y entregado a sus dos grandes pasiones: El Rock y El Blues. Como dirían algunos críticos de la época, “Clapton trabajando con otra guitarra (Allman) se alejaba de caer en la monotonía y relajarse", ya que, siento yo, nunca volvería a alcanzar el nivel y simetría que tenía con Duane, el cual fallecería poco tiempo después de la grabación del disco, lo cual ahogaría a Clapton en una depresión que lo haría disolver la banda y alejarse por un tiempo. Se recomienda ver el documental “Eric Clapton: Live in 12 Bars” para conocer más acerca de la composición y contexto en que fue grabado el disco, además de la línea cronológica de la carrera de Clapton.

“Layla, you've got me on my knees

Layla, I'm begging, darling please

Layla, darling won't you ease my worried mind”

Blues for Greeny (1995) - Gary Moore - Critica

La admiración por una persona puede transformarse en una obsesión…Sin embargo, si esta obsesión puede ser canalizada de buena manera puede traer consigo resultados extraordinarios y sobresalientes.

La admiración de los ídolos del Rock por las grandes personalidades del Blues, se viene gestando desde los años 60´s, en donde bandas como The Yardbirds o The Rolling Stones comenzarían a poner en la palestra de sus cancioneros, composiciones del estilo de Blues invitando, en ciertas ocasiones, a los propios intérpretes de dichos temas.

Teniendo en consideración lo anterior, no es descabellado que muchas personalidades del Rock hayan gestado una amistad con las grandes personalidades del Blues, quedando plasmado en diversas reversiones de canciones clásicas del estilo Blues y contribuciones o participaciones en discos de Rock y Blues de bandas estadounidenses y británicas.

En este contexto, se empezaron a realizar discos completos dedicados a las personalidades clásicas del Blues, quizás el mejor ejemplo de esto sea Eric Clapton, quien ha realizado varios discos de esta índole como Me and Mr. Johnson o From The Cradle.

Peter Green es un guitarrista británico que se ganó el mote del “sucesor de Eric Clapton”, debido a que cuando este ultimo abandono John Mayall and the Bluesbreakers, el asumiría su puesto teniendo un gran desempeño y ejecución al interior de la banda. Posteriormente, Mick Fleetwood y John McVie serian expulsados de la banda, llevándose consigo a Peter Green para formar Fleetwood Mac; ¡Así es! la misma exitosa banda que tendría su apogeo durante los años 70´s a través del movimiento hippie y psicodélico.

Peter Green impondría su visión personal durante los primeros discos de la banda, a través de composiciones cargadas de Blues, en base al modelo pesado y crudo del Rock. Sin embargo, y al igual que el genio de Syd Barrett, Green conocería el LSD, estupefaciente clásico de aquella época, siendo esto su propia tumba y debacle personal y musical. Por ende, seria expulsado de Fleetwood Mac pasando a ser un compositor y guitarrista olvidado, debido a su largo proceso de rehabilitación del alcohol y las drogas que lo mantendría fuera de las pistas. Si bien hasta el día de hoy, sigue componiendo música y girando a través de sus diversos proyectos particulares, nunca volvió a ser el mismo ni a generar el impacto que en algún momento tuvo su música en el público.

Gary Moore siempre admiró a Peter Green, primero como oyente y posteriormente como amigo, ya que cuando se conocieron el lazo musical y cercano se hizo evidente, por lo cual gestaron una estrecha amistad que duraría años. Tal fue la admiración de Moore por Green, que este terminaría comprando la clásica Les Paul del británico, ya que este consideraba que Moore era el futuro de la guitarra y tendría una mejor utilidad en manos del irlandés.

El disco parte con la sufrida If You Be My Baby, que se sustenta en la base rítmica de los bronces y el teclado, conjuntamente, con el virtuosismo mostrado en la guitarra eléctrica. Un Blues que va directo al grano y cuya letra deambula en aquellos amores incomprendidos plasmados por el sentimentalismo en la voz de Moore.

Long Grey Mare presenta un aire muy similar a la canción Killing Floor de Howlin Wolf moviéndose por un ritmo monótono con tintes clásicos de Groove y Funk. El tema se sostiene básicamente en su ritmo constante y líneas clásicas en la guitarra eléctrica, lo cual lo vuelve, a ratos, poco atractivo y cautivante para el oyente convirtiéndose en una canción correcta en su performance.

Volviendo a la línea de comodidad o zona de confort de Moore se nos muestra Merry Go Around, un Slow Blues que se sustenta en la voz y virtuosismo del chascón en base al sentimiento que este plantea durante toda su duración, símil a lo acontecido en As The Years Goes Passing By o Midnight Blues.

La base rítmica de una canción, bajo y batería, siempre son relevantes, aunque no destaquen de sobremanera como el resto de los instrumentos. Sin embargo, en I Loved Another Woman se hace notorio el impacto que estos tienen sobre el tema, ya que lo conducen sobre una base constante que hace destacar la voz y guitarra de Moore a través de esa esencia delicada de la ejecución del instrumento con esos toques del uso del Reverb.

Need Your Love So Bad se mueve con delicadeza por líneas melódicas cargadas de sentimentalismo. La canción amerita tener cierto cuidado y precisión en su ejecución, por tanto, Moore se ve sobre exigido a cumplir una difícil misión, en la cual debe transmitir emoción y nostalgia al oyente; lo cual cumple de manera eficiente. El tema tiene de todo un poco y nos invita a navegar por un mar de emociones, lo cual lo hace atractivo e hipnótico para el oyente.

Un ritmo más cortante, inspirado en los redobles de batería y las líneas directas de la guitarra eléctrica se nos presenta con The Same Way. La canción es directa y correcta en su ejecución, la cual presenta el efecto de voces duplicadas de Moore para darle fuerza al coro de la canción.

The Supernatural es un tema que se asemeja a la clásica Black Magic Woman, también del mismo Green, y su base nuevamente transcurre en los patrones de batería y el virtuosismo de la guitarra eléctrica. Un tema instrumental que sirve para mostrar el virtuosismo de Moore y funciona como un momento intermedio y de relajo para el oyente.

Volviendo a ese Blues mas clásico, con esos ritmos monótonos, pero a su vez efectivos y adictivos, se nos presenta Driftin, un tema que deambula sobre lo mas sobresaliente del Slow Blues y Shuffle Blues a través de las líneas emotivas y crudas (double stops) de Moore. La canción se mueve en una base rítmica asociada a los acordes ejecutados por el teclado, quien da la pauta para que Moore desentrañe sus mejores sonidos en la guitarra eléctrica apoyada en su voz cruda y sufrida.

El comienzo de Showbiz Blues con el sonido reverb a través de sus líneas lentas y sostenidas desemboca en un tema mas relacionado con ese Blues mas campestre o Ragtime, el cual se asemeja mucho a las composiciones de Blues de los años 20´s de las plantaciones de algodón en el Delta del Misisipi.

Love That Burns debe representar el tema mas bajo del disco, ya que la voz de Moore suena cansada y desmotivada a mas no poder, lo cual hace que el tema, a pesar de ser un Slow Blues, se nos presente poco atractivo y aburrido para el oyente. Adicionalmente, cuenta con una base rítmica monótona y los bronces no aportan mucho durante la ejecución del tema, debido a que mantienen a flote esta misma base rítmica, sin entregar matices o relieves musicales.

Looking For Somebody comienza como Showbiz Blues, pero tiene una forma mucho atractiva y ganchera que su antecesora. La canción se mueve por una base hipnótica que hace recordar aquellos sonidos más árabes o de Medio Oriente; conducidos por la base rítmica de la banda. La guitarra eléctrica solo se dedica a mantener notas al unísono (sustain) y hacerlas perdurar en el tiempo. Si bien la voz de Moore se muestra mucho mas enérgica que en su antecesora, es una canción que hubiese funcionado mucho mejor como un tema instrumental para darle cierre al trabajo discográfico. 

Adicionalmente, su duración y también su monotonía le restan importancia a la canción.  

Un disco que tiene momentos bastante brillantes y otros bastante discretos. Quizás Moore quería darle mas relevancia a aquellas composiciones de Green que no había realizado en trabajos anteriores y dedicarle más relevancia a esos pequeños tesoros que tienen los artistas, los cuales representan sus composiciones más under o desconocidas. Un disco homenaje que funciona de manera correcta, sin embargo, pudo haber sido mucho mejor en su planteamiento y elección de temas de la extensa carrera de Green. En este sentido, recomiendo escuchar el disco The Best of Peter Green's Fleetwood Mac, aunque la visión de Moore no deja de ser sorprendente y atractiva.

“Now listen to me baby, just what I'm talkin' 'bout
You got something woman, makes a dumb man scream and shout”

Still Got The Blues (1990) - Gary Moore - Critica

¿Puede ser tu mayor éxito, tu mayor fracaso? Si! y exactamente eso le ocurrió a Gary Moore con su disco Still Got The Blues. Gary Moore no necesita mayor carta de presentación, considerando su exitosa carrera solista y su breve paso por la banda de Rock Thin Lizzy. De mas esta mencionar su virtuosismo en la guitarra, el cual ha inspirado a una serie de guitarristas de Rock y Blues moderno como, por ejemplo, Joe Bonamassa o Kirk Fletcher.

Corría el año 1990, cuando Moore junto con su clásica guitarra Gibson Les Paul y su amplificador Marshall se encerraría a cocinar lo que sería Still Got The Blues, teniendo como idea central el volver a los orígenes con el estilo que sería su gran amor y compañera desde su niñez: El Blues. Y así es como este disco, el cual marcaría su éxito mundial como artista, sería el puntapié inicial de su cambio de visión del Rock más Hard o Pop e internarse de lleno en el Blues Rock que le daría grandes éxitos y fracasos.  

Sin embargo, y a pesar del éxito que tuvo este material y otros que le acompañaron por los años, seria en la década del 2000 donde todo sería un verdadero fracaso. Su canción más exitosa, y la cual da nombre al mencionado disco, seria, a la vez, su verdugo por el resto de su vida. Gary Moore seria demandado por plagio de la línea central de Still Got The Blues por un compositor alemán, generando el inicio del fin para el artista.

Finalmente, Moore perdería la demanda y, en consecuencia, su contrato discográfico con Virgin Records, comenzando la debacle que haría que el pobre Moore terminara grabando sus próximos materiales en sellos más pequeños, notándose un cansancio y distancia con su público, producto de las extensas giras y del pasar de los años.

El disco comienza con la enérgica y bailable Moving On, la cual con un ritmo de boogie constante y marcado nos da el puntapié inicial para insertarnos de lleno en el disco, destacando el uso del slide, el cual quien luce y destaca en una canción, que, si bien es breve y concisa, logra enganchar al oyente desde su primera escucha.

Oh Pretty Woman, el clásico de Albert King, nos presenta el primer cover del disco, de un sin número de covers que se presentan, una característica clásica de los discos de Blues de Chicago en los años 50´s. Si bien se asemeja demasiado, en su ejecución e interpretación, a la original de King, cabe destacar que Moore le pone su toque personal característico de su virtuosismo en la guitarra y su timbre de voz. Se cuenta como anécdota que, en la grabación del tema, en el cual participo el mismísimo Albert King, Moore se habría equivocado en una nota; generando el odio total de King, quien habría decidido detener la grabación de la canción; sin embargo, y luego de conversaciones entre ambos, podrían sacarlo adelante y grabar la versión final.

Walking By Myself, el clásico de Jimmy Rodgers, tiene un tono sumamente personal y debe representar uno de los covers más increíbles del disco, ya que se mueve dentro de un ritmo dinámico representado por la armónica y la guitarra, que, a través de matices y relieves variados, lo hacen único. Esta versión es mucho más pegajosa y movida que la original, por ende, destaca y sobresale por si mismo; siendo el solo de guitarra de Moore quien lo catapulta a la posteridad con esos tapings y líneas frenéticas que se muestran.

El trabajo avanza con la canción mas popular de Moore, la cual es un deleite de principio a fin, ya que representa, de forma plena, toda la emoción y sentimiento por parte de Moore tanto en la guitarra como en la voz. Según mi opinión, Still Got The Blues representa la continuación y perfección de temas antiguos de Moore como Parisienne Walkways y The Loner.

Texas Strutt se nos presenta como una canción clásica del estilo Texas Blues, quizás asemejándose mucho a The Grange de ZZ Top o al estilo de canciones del conjunto de los barbones, sin embargo, de una manera mucho más acelerada, dinámica y frenética, siendo lo más destacado los arreglos en los teclados Hammond; lo demás es cuota establecida y asegurada de Moore, quien, si bien nos plantea un tema efectivo, no convence del todo a este particular.

Too Tired es un tema que se mueve por líneas clásicas de Blues a través de la maestría de Gary Moore y la colaboración de Albert Collins, quien, a pesar de no cantar, impone su estilo clásico al interpretar de manera correcta. Quizás lo más icónico, sea el duelo de guitarras que existe en el video musical del tema, el cual es bastante entretenido de ver y donde el virtuosismo es la base central del mismo.

King of The Blues sigue la línea más de big band al estilo de BB King, el cual hace mención, en su letra, a diversos aspectos característicos del Blues, artistas clásicos del estilo, canciones memorables e icónicas, ciudades clásicas en donde se desarrolló el mismo, así como de las aventuras y desventuras que se viven al ser artista de este particular estilo. Esta canción representa un homenaje al Blues electrificado desarrollado, principalmente, en Estados Unidos y Moore carga el tema, por, sobre todo, de bendings y sustains en la guitarra, estando fuertemente influenciado por BB King y Eric Clapton.

El primer Slow Blues del álbum, y el cual representa un placer culpable del mismo Moore, se presenta con As The Years Goes Passing By, el cual representa un clásico del Slow Blues y funciona de manera correcta en su parte rítmica y calmada, ya que permite a Moore mostrar todo su virtuosismo y sentimiento en la guitarra, aunque no logra superar a su predecesor en sentimiento y emotividad.

Siguiendo la línea de su predecesor, se nos presenta Midnight Blues, el cual está lleno de emotividad y sentimiento por parte de Moore. La entrega de Moore es completa y nuevamente se le nota su comodidad y virtuosismo en este tipo de interpretaciones, ya que su voz y estilo en la guitarra se desarrollan con normalidad y sin demasiadas cosas forzadas. Sin embargo, considero que es poco atractivo y dinámico colocar dos Slow Blues seguidos en un disco, ya que representan momentos de calma y tranquilidad frente a tanta efervescencia.

En la versión extendida del disco, tenemos That King of Woman, la cual, por extraño que parezca, siendo una canción de George Harrison, y por extraño que parezca, funciona mucho mejor en la interpretación de Moore, moviéndose como un tema entretenido, ganchero e innato del chascón.

All Your Love, cover del clásico Otis Rush, se nos presenta correcta en su ejecución al igual que Oh Pretty Woman, y sin demasiados matices personales por parte de Moore, aunque, de manera personal, prefiero su versión en el disco Old New Ballads Blues (2006).

Con Stop Messin Around ocurren dos cosas: la primera sería que el cover es mucho mas atractivo que la original y la segunda sería que representa uno de los ídolos máximos de Moore, refiriéndonos a Peter Green, al cual le dedicaría el disco Blues for Greeny. A través del Shuffle Blues el disco cierra de manera entretenida y correcta.

Still Got The Blues es un disco que es bastante redondo en todo su conjunto, el cual no presenta grandes desperdicios o  momentos aburridos. Si bien hubiese preferido que el orden de las canciones fuese diferente, eso no quita que este disco personal de Moore, y homenaje a las grandes personalidades del Blues, sea un gran material discográfico con ritmos nostálgicos, dinámicos y variados. Quien dijo que el Blues era aburrido…

“Still Got The Blues…For You”

B.B. King & Friends: 80 (2005) - B.B. King - Critica

Lo ocurrido el día 14 de Mayo de 2015 será recordado con gran pesar y tristeza en el colectivo de los amantes y oyentes del estilo Blues, debido a que Riley Ben King o mejor conocido como B.B. King dejaría el mundo terrenal a los 89 años de edad en su vivienda ubicada en Las Vegas. Como consecuencia de esto, B. B. King deja una huella invaluable e imborrable en el ámbito musical materializado a través de su brillante y admirable trayectoria de trabajos discográficos, material en vivo, colaboraciones musicales, entre otros. Adicionalmente, su tono y manera de cantar conjuntamente con su técnica y digitación en la guitarra influenciaron a grandes cantantes y guitarristas de los estilos Blues y Rock como Peter Green, Eric Clapton, Carlos Santana, entre otros.

Riley Ben King nació el 16 de Septiembre de 1925 en Misisipi. Desde temprana edad, el pequeño Riley tuvo interés y motivación por la música. Según se cuenta, Riley iba regularmente a la casa de una tía, la cual era una gran coleccionista de vinilos y que, por consiguiente, poseía un tocadiscos en el cual reproducir la música de los mismos. Si bien, inicialmente, Riley se dedicaba a cantar en los cultivos de algodón donde trabaja, prontamente, pasaría a formar parte central del coro de la iglesia a la cual asistía. También su interés por tocar la guitarra se fue acrecentando con el pasar de los años hasta que pudo reunir el dinero suficiente para comprarse su primera guitarra a la edad de 14 años. De ahí en adelante, nunca abandonaría los dos principales dones que le regalaría la vida en el ámbito musical (Voz y guitarra) hasta el día de su muerte.

Desde sus inicios en la guitarra, B. B. King se vio influenciado por Bukka White, Robert Lockwood Jr y Lonnie Johnson, sin embargo, se vio especialmente atraído por la forma de tocar de T-Bone Walker y Django Reinhardt. Según palabras del propio B. B. King, este aprendió ese vibrato tan característico y representativo de su manera de tocar cuando trataba de aprender a tocar con el slide o la llamada técnica del bottleneck. Como este nunca aprendió esta técnica, la cual le resultaba prácticamente imposible, intento imitar el sonido producido por el slide de tal manera de no tener que tocar con tal objeto, así desarrollaría una técnica única en cuanto a la técnica del vibrato en la guitarra.

B. B. King era conocido por ser un tipo bastante carismático y agradable, por tanto, se hizo de un gran cumulo de amigos y seguidores. En esta materia, B. B. King recorrería grandes escenarios a nivel mundial y compartiría escenario con grandes artistas de la escena musical. Es así como en el año 2005, y como celebración de su cumpleaños numero ochenta, decide reunir a una cantidad considerable de estrellas de renombre y admiración en el ámbito musical para realizar su trabajo discográfico B.B. King & Friends: 80.

Quiero desde ya hacer presente al lector, que dicho material discográfico contiene temas conocidos y reconocible dentro del estilo Blues, los cuales ya han sido versionados tanto por el propio King en álbumes anteriores como por artistas vinculados a dicho genero musical dentro de su trayectoria discográfica. Adicionalmente, se nota en la voz de B. B. King un aire de cansancio y debilidad, el cual es considerable debido a que B. B. King tiene 80 años y lleva haciendo carrera en la música desde que era un joven veinteañero. Esto ultimo, se justifica en el hecho de que B. B. King era demasiado trabajólico y entregado, por tanto, trabajaba y daba lo mejor de si en los escenarios los 365 días del año siempre y cuando su cuerpo y alma se lo permitieran. Una de las consecuencias mas plausibles de esto fue el alejamiento y distanciamiento con su familia y seres queridos, lo que le costo matrimonios, amistades, acontecimientos significativos, entre otras.

Sin embargo, pareciera que el ímpetu, pasión y entrega al cantar y tocar por parte de B. B. se mantuvieran intactas logrando transmitir emociones y sentimientos al oyente. El plus o valor agregado del disco son las características y singularidades sonoras y musicales de cada uno de los invitados, los que le dan al disco un toque distintivo y llamativo. Por este motivo, y tomando en consideración las palabras expresadas en el párrafo anterior, a pesar de que se trata de temas conocidos y reconocibles del estilo de Blues, estos tienen su particularidad única a través de los aportes que hacen tanto B. B. King con su banda como por el invitado en cuestión.

El disco comienza con la armónica de Van Morrison conjuntamente con las melodías en la guitarra de B. B. King en el clásico spread o Shuffle Blues Early In The Morning. Las voces se van intercalando a medida que transcurren los versos y se juntan en las partes corales de dicho tema. Van Morrison es un compositor, cantante y multiinstrumentista irlandés que ha logrado gran reconocimiento y éxito a nivel mundial a través de una carrera y trayectoria musical inspirada en los estilos Folk, Blues y Pop. Si bien Morrison no tiene el virtuosismo o habilidad en la armónica como un Sonny Boy Williamson II, Junior Wells, James Cotton, Little Walter, entre otros; el irlandés se logra defender con melodías y sonoridades básicas de la armónica que resultan efectivas y precisas. Ese tono desgarrado y gangoso de Morrison en las voces y ese tono sentimental y relajante de B. B. King se mezclan en sonoridades agradables para el oyente. La calidad en las cuerdas, por parte de King, suena de manera precisa e impecable demostrando que el transcurso de los años no ha hecho estragos en su habilidad con sus manos. Asimismo, debo destacar la labor y desempeño realizado por el bajo o contrabajo a lo largo de todo el tema aportando la melodía central y conductora del tema.

Siguiendo la misma línea Shuffle  Blues que su antecesora, aunque con la incorporación y participación de otra guitarra se nos presenta Tired of Your Jive. Pero, ¿De quien será esta guitarra eléctrica con un sonido mas rockero y rudo? Bueno, nada menos que Billy Gibbons. Gibbons es el compositor, vocalista y guitarrista de la banda de Blues/Rock y Hard/Rock ZZ Top y ha sido mediante el trabajo con esta que ha logrado posicionar su nombre dentro de la escena del Rock. Siempre se ha rumoreado que el Rock es el hijo del Blues y parece que este tema lo deja más que demostrado, ya que los estilos y formas de tocar la guitarra así como el tono y expresión vocal tanto de King como de Gibbons nos muestran esta similitud y parentesco entre estilos. Si bien  siempre se aprecia la calidad vocal e instrumental tanto de B. B. como de Billy, es conveniente destacar el trabajo realizado por los vientos y el teclado de la banda de King, los cuales hacen al tema bastante entretenido y atractivo.

Siempre que una persona participa en todo aquello que se le interponga por delante o muestre interés por involucrarse en una gran cantidad de actividades vinculadas a un ámbito en específico se le llama canapé o florerito de mesa. Ese sentimiento me ocurre cuando escucho el nombre de Eric Clapton y quiero mencionar que no lo hago en un tono despectivo o reprochable a su persona, simplemente voy al hecho de que Clapton posee una extensa carrera y trayectoria musical dentro de bandas o agrupaciones, de manera solista o de participaciones y colaboraciones con otros artistas. El clásico Slow Blues menor de B. B. King y con el cual lograría el reconocimiento y éxito a nivel planetario The Thrill Is Gone se nos presenta en esta conjunción con Eric Clapton. Todos los que hemos escuchado este tema, así como las distintas versiones realizadas por el propio King en vivo o álbumes discográficos, sabemos que B. B. pareciera que entrega el alma y la vida en cada nota que toca con su guitarra o canta a través de los versos.

Parece que el tema provoca y evoca en el mismo King emociones y sentimientos asociados a pasajes y vivencias de su vida, por lo que, transmite estos mismos al oyente quien acompaña a B. B. en cada una de las melodías vocales y guitarreras que interpreta. El tema logra la perfección y simetría perfecta que tiene tanto en vivo como en los álbumes en los que ha aparecido. Quiero destacar la labor en las cuerdas de Clapton, quien en esta canción no canta, además de la labor de ese teclado Hammond y la batería que le dan ese aire y gusto Funk y Slow al tema.

La primera vez que escuche un Blues que me emocionara hasta tomar la decisión de abocarme de lleno a su estudio y dedicación fue Need Your Love So Bad en la versión de Peter Green cuando integraba la banda Fleetwood Mac. Sinceramente, la versión de B. B. King de este tema provoca mas emociones y sentimientos que la versión de Peter Green y eso se lo debe el mismo King a la colaboración de Sheryl Crow, compositora, cantante y guitarrista de música Country, Folk y Blues, la cual proyecta a través de su voz ese aire cálido, sensible y relajante de una voz femenina que me recuerda a Etta James, Big Mama Thornton, entre otras. Las notas precisas y sutiles en la guitarra le dan un toque característico y único a la interpretación del tema, además de la interpretación del teclado en el transcurso del mismo. Siempre se agradece escuchar esa simetría que se produce entre una voz masculina y femenina.

Con un aire Góspel y Soul recordando a esos años de juventud y adolescencia en los que B. B. cantaba en el coro de la iglesia se rememoran con Ain't Nobody Home. B. B. es bastante inteligente y astuto en este sentido, así que dispone de la participación y colaboración de un experimentado cantante y músico de este tipo de música Daryl Hall. El trabajo realizado por los coristas acrecienta ese sentimiento y sensación de iglesia evangélica de negros en Estados Unidos. Lo más rescatable en esta canción, dejando en segundo plano la calidad de los músicos e instrumentistas de dicha canción, es la voz de King y Hall, así como también la labor de las partes y secciones corales. La existencia de Dios puede ser verdad o falsedad y eso va a depender del criterio religioso que tenga cada persona, sin embargo, si la manera agradecer y recompensar a Dios se lograra a través de la música, B. B. King le ha entregado un increíble y fantástico regalo a Dios mediante la interpretación de este tema.

Hummingbird representa uno de los puntos más bajos del disco. Si bien la colaboración de John Mayer, compositor, vocalista y guitarrista procedente de la escuela de Jazz y Blues Berklee, se incorpora desde un comienzo con ese guitarreo Funk y Blues agregándole ese palmeo y muteo  con la mano, el cual nos rememora a la técnica, estilo y sonido de Jimi Hendrix, da la entrada a la voz de B. B. King, la cual se muestra bastante desgastada, sufrida y lastimosa. Ya se había hecho presente que la voz de King no era la misma de hace años debido principalmente a su avanzada edad, sin embargo, en casi todos los temas del presente álbum entrega pasión, fuerza y sentimiento. Bueno el termino de casi todos se aplica a este tema en particular, en el cual la voz de B. B. se muestra en un nivel realmente bajo y débil. La voz de John Mayer tiene ese aire cálido y tranquilo que le otorga al tema un matiz interesante y brillante. Sin embargo, la voz de John Mayer simplemente canta una estrofa en todo el tema y participa en la parte final con los coros del mismo. Demás esta decir que Mayer y King juegan durante todo el tema a la pregunta y respuesta con melodías en las guitarras.

All Over Again comienza unas melodías y sonoridades que evocan a la sensualidad, erotismo y éxtasis cimentado en las guitarras de B. B. King y Mark Knopler mediante la técnica del finger picking. ¡Así es! Mark Knopler el compositor, vocalista y guitarrista histórico de la banda de Rock Dire Straits hace de las suyas en este Slow Blues de carácter erótico y carnal. Sin embargo, Knopler no canta en ningún momento del tema dejándole esta tarea a la voz desgarrada y pasional de King. Los fraseos y licks en las guitarras de B. B. y Mark están cargados de precisión y sentimiento. Destacar el trabajo y desempeño del teclado quien le da al tema ese plus necesario para transmitir emoción, tranquilidad y sensualidad necesaria. Este tipo de Slow Blues son comunes dentro del repertorio de B. B., así que no debería generar extrañeza escucharlo, además si a eso le sumamos ese tono y vibrato exquisito que posee la guitarra de King.

El ritmo Shuffle Blues de los primeras dos canciones vuelve a cobrar fuerza y garra a través de Drivin' Wheel. Vaya que comenzada tiene B. B. en este tema con la melodía en la guitarra respaldada por la tremenda banda que tiene. El canto del mismo se escucha con energía y fuerza y hasta podría decir que por encima del invitado quien en esta oportunidad es Glenn Frey, el vocalista y multiinstrumentista de la banda de Hard/Rock Eagles. En esta canción se nota comodidad por parte de B. B. King en cuanto a sus líneas vocales como a sus fraseos en la guitarra. Glenn Frey queda sobrepasado en el ámbito vocal, sin embargo, muestra un buen solo y melodías en su guitarra eléctrica demostrando su técnica y habilidad en el estilo. B. B. y su banda muestran su desplante y desempeño enérgico y aguerrido en todo momento, inclusive habiendo un corte en la mitad del tema en donde King se hecha el tema al bolsillo y lo lleva a un jubilo brillante a través de su voz, siempre respaldado por buenos y correctos coristas.

Y volvemos a los Slow Blues de carácter romántico y apasionado con There Must Be a Better World Somewhere. En el mismo sentido que Need Your Love So Bad,  B. B. vuelve a incorporar la participación de una voz femenina de renombre, y vaya que artista es el que presenta King a través de ese tono y voz cálida, agradable y sentimental de Gloria Estefan. Resulta bastante raro y peculiar encontrar a Gloria en estilos como el Slow Blues o la balada Blues, sin embargo, su desempeño vocal es deslumbrante y fascinante dándole a la canción una temática de manjar o delicia para el oído. Nuevamente, King y Estefan intercalan sus voces a través de los diversos versos del tema. King sabe como se toca la guitarra en este tipo de canciones, lo cual se realiza tocando pocas notas pero precisas con gran cantidad de bending y estiramientos cargados de sentimiento.

Y con ese comienzo en la batería, teclado y guitarra da rienda Never Make Your Move Too Soo con un aire y temática bastante Funk y Orquestal. Si querían empezar con la fiesta mas vale que comiencen con este tema, ya que posee un carácter fiestero, enérgico y alegre de agrado para el oyente. Pero, ¿De quien esa voz rasposa y desgarrada que no se logra identificar con facilidad? Para mi también resulto una extrañeza y me refiero a la voz de Roger Daltrey, el vocalista histórico e icónico de la banda de Rock The Who. El desempeño en las líneas vocales de King y Daltrey resulta bastante efectivo y preciso para el estilo de canción. Sin embargo, el mayor crédito se lo doy a la banda de B. B., la cual se proyecta con dominio y virtuosismo en los diferentes instrumentos que posee y en las diversas partes de la canción en que estos intervienen.

Teniendo una calidad y trabajo instrumental increíble y deslumbrante durante toda su duración se nos presenta Funny How Time Slips Away. Sin embargo, para mi representa otro de los momentos bajos y débiles del disco. Muchos se preguntaran como puede ser posible que dicho tema sea uno de los más débiles dentro de las canciones del álbum siendo que posee una excelencia y calidad de instrumental y cuenta con la leyenda de Blues Bobby Bland como invitado en las voces junto a B. B. King. La respuesta a dicha interrogante o inquietud esta en la calidad y tonalidad vocal tanto de B. B. como de Bobby debido principalmente a su avanzada edad. Y tampoco estoy lapidando a grandes artistas por su calidad vocal transcurrido los años, en referencia a esto puedo citar a Cat Stevens que nunca a perdido su calidad y sonoridad vocal a pesar de la avanzada edad que posee. Pienso que el ser humano debe ser consciente y realista frente a las circunstancias y situaciones de la vida y ese falsete en la voz de King no da el resultado esperado o simplemente no se encuentra a la altura de la canción. La canción parece más una conversación emotiva y sentimental entre amigos que un tema de Slow Blues con todas sus letras.

Y llegando al final de este trabajo discográfico, se concluye todo con una fiesta llena de Boogie Blues y Jump Blues a cargo del clásico de este estilo Rock This House. En la ultima canción, B. B. trae a un pianista y tecladista muy especial, con esto hago referencia a Elton John. Rock This House es el tema mas enérgico, bailable y potente del disco mostrando a King en esa faceta Jump que aprendió del maestro del estilo T-Bone Walter. Los versos y los coros se encuentran plagados de euforia y efervescencia materializada a través de las voces de B. B. y Elton. Destacar la labor de los vientos de la banda de King que le dan ese toque particular y único al tema. Elton John también muestra sus dotes en el piano del estilo Blues a través de un solo lleno de virtuosismo y fuerza. Si bien B. B. King no es un guitarrista dedicado únicamente al estilo Jump Blues como un Hollywood Fats, Ronnie Earl, Junior Watson, Clarence Gatemouth Brown, entre otros; logra salir airoso y defenderse de buena manera en su desempeño en la guitarra frente a este tipo de canciones.

Si bien B.B. King & Friends: 80 no muestra desperdicios o rellenos en cuanto a las canciones que contiene, si debe hacerse presente que a pesar de mostrar una excelente calidad instrumental y vocal a nivel global como álbum discográfico no queda exento de una que otra acotación o debilidad detectada. La calidad de dicho material discográfico queda respaldada por el Premio Grammy recibido en el año 2006.

Si el lector es una persona que recién se esta familiarizando con el estilo Blues o con la carrera y trayectoria de B. B. King se le recomienda y sugiere que tome este álbum como un punto de partida significativo e importante en el estudio de tan particular estilo de música.

“The thrill is gone
It's gone away from me…”