B.B. King & Friends: 80 (2005) - B.B. King - Critica

Lo ocurrido el día 14 de Mayo de 2015 será recordado con gran pesar y tristeza en el colectivo de los amantes y oyentes del estilo Blues, debido a que Riley Ben King o mejor conocido como B.B. King dejaría el mundo terrenal a los 89 años de edad en su vivienda ubicada en Las Vegas. Como consecuencia de esto, B. B. King deja una huella invaluable e imborrable en el ámbito musical materializado a través de su brillante y admirable trayectoria de trabajos discográficos, material en vivo, colaboraciones musicales, entre otros. Adicionalmente, su tono y manera de cantar conjuntamente con su técnica y digitación en la guitarra influenciaron a grandes cantantes y guitarristas de los estilos Blues y Rock como Peter Green, Eric Clapton, Carlos Santana, entre otros.

Riley Ben King nació el 16 de Septiembre de 1925 en Misisipi. Desde temprana edad, el pequeño Riley tuvo interés y motivación por la música. Según se cuenta, Riley iba regularmente a la casa de una tía, la cual era una gran coleccionista de vinilos y que, por consiguiente, poseía un tocadiscos en el cual reproducir la música de los mismos. Si bien, inicialmente, Riley se dedicaba a cantar en los cultivos de algodón donde trabaja, prontamente, pasaría a formar parte central del coro de la iglesia a la cual asistía. También su interés por tocar la guitarra se fue acrecentando con el pasar de los años hasta que pudo reunir el dinero suficiente para comprarse su primera guitarra a la edad de 14 años. De ahí en adelante, nunca abandonaría los dos principales dones que le regalaría la vida en el ámbito musical (Voz y guitarra) hasta el día de su muerte.

Desde sus inicios en la guitarra, B. B. King se vio influenciado por Bukka White, Robert Lockwood Jr y Lonnie Johnson, sin embargo, se vio especialmente atraído por la forma de tocar de T-Bone Walker y Django Reinhardt. Según palabras del propio B. B. King, este aprendió ese vibrato tan característico y representativo de su manera de tocar cuando trataba de aprender a tocar con el slide o la llamada técnica del bottleneck. Como este nunca aprendió esta técnica, la cual le resultaba prácticamente imposible, intento imitar el sonido producido por el slide de tal manera de no tener que tocar con tal objeto, así desarrollaría una técnica única en cuanto a la técnica del vibrato en la guitarra.

B. B. King era conocido por ser un tipo bastante carismático y agradable, por tanto, se hizo de un gran cumulo de amigos y seguidores. En esta materia, B. B. King recorrería grandes escenarios a nivel mundial y compartiría escenario con grandes artistas de la escena musical. Es así como en el año 2005, y como celebración de su cumpleaños numero ochenta, decide reunir a una cantidad considerable de estrellas de renombre y admiración en el ámbito musical para realizar su trabajo discográfico B.B. King & Friends: 80.

Quiero desde ya hacer presente al lector, que dicho material discográfico contiene temas conocidos y reconocible dentro del estilo Blues, los cuales ya han sido versionados tanto por el propio King en álbumes anteriores como por artistas vinculados a dicho genero musical dentro de su trayectoria discográfica. Adicionalmente, se nota en la voz de B. B. King un aire de cansancio y debilidad, el cual es considerable debido a que B. B. King tiene 80 años y lleva haciendo carrera en la música desde que era un joven veinteañero. Esto ultimo, se justifica en el hecho de que B. B. King era demasiado trabajólico y entregado, por tanto, trabajaba y daba lo mejor de si en los escenarios los 365 días del año siempre y cuando su cuerpo y alma se lo permitieran. Una de las consecuencias mas plausibles de esto fue el alejamiento y distanciamiento con su familia y seres queridos, lo que le costo matrimonios, amistades, acontecimientos significativos, entre otras.

Sin embargo, pareciera que el ímpetu, pasión y entrega al cantar y tocar por parte de B. B. se mantuvieran intactas logrando transmitir emociones y sentimientos al oyente. El plus o valor agregado del disco son las características y singularidades sonoras y musicales de cada uno de los invitados, los que le dan al disco un toque distintivo y llamativo. Por este motivo, y tomando en consideración las palabras expresadas en el párrafo anterior, a pesar de que se trata de temas conocidos y reconocibles del estilo de Blues, estos tienen su particularidad única a través de los aportes que hacen tanto B. B. King con su banda como por el invitado en cuestión.

El disco comienza con la armónica de Van Morrison conjuntamente con las melodías en la guitarra de B. B. King en el clásico spread o Shuffle Blues Early In The Morning. Las voces se van intercalando a medida que transcurren los versos y se juntan en las partes corales de dicho tema. Van Morrison es un compositor, cantante y multiinstrumentista irlandés que ha logrado gran reconocimiento y éxito a nivel mundial a través de una carrera y trayectoria musical inspirada en los estilos Folk, Blues y Pop. Si bien Morrison no tiene el virtuosismo o habilidad en la armónica como un Sonny Boy Williamson II, Junior Wells, James Cotton, Little Walter, entre otros; el irlandés se logra defender con melodías y sonoridades básicas de la armónica que resultan efectivas y precisas. Ese tono desgarrado y gangoso de Morrison en las voces y ese tono sentimental y relajante de B. B. King se mezclan en sonoridades agradables para el oyente. La calidad en las cuerdas, por parte de King, suena de manera precisa e impecable demostrando que el transcurso de los años no ha hecho estragos en su habilidad con sus manos. Asimismo, debo destacar la labor y desempeño realizado por el bajo o contrabajo a lo largo de todo el tema aportando la melodía central y conductora del tema.

Siguiendo la misma línea Shuffle  Blues que su antecesora, aunque con la incorporación y participación de otra guitarra se nos presenta Tired of Your Jive. Pero, ¿De quien será esta guitarra eléctrica con un sonido mas rockero y rudo? Bueno, nada menos que Billy Gibbons. Gibbons es el compositor, vocalista y guitarrista de la banda de Blues/Rock y Hard/Rock ZZ Top y ha sido mediante el trabajo con esta que ha logrado posicionar su nombre dentro de la escena del Rock. Siempre se ha rumoreado que el Rock es el hijo del Blues y parece que este tema lo deja más que demostrado, ya que los estilos y formas de tocar la guitarra así como el tono y expresión vocal tanto de King como de Gibbons nos muestran esta similitud y parentesco entre estilos. Si bien  siempre se aprecia la calidad vocal e instrumental tanto de B. B. como de Billy, es conveniente destacar el trabajo realizado por los vientos y el teclado de la banda de King, los cuales hacen al tema bastante entretenido y atractivo.

Siempre que una persona participa en todo aquello que se le interponga por delante o muestre interés por involucrarse en una gran cantidad de actividades vinculadas a un ámbito en específico se le llama canapé o florerito de mesa. Ese sentimiento me ocurre cuando escucho el nombre de Eric Clapton y quiero mencionar que no lo hago en un tono despectivo o reprochable a su persona, simplemente voy al hecho de que Clapton posee una extensa carrera y trayectoria musical dentro de bandas o agrupaciones, de manera solista o de participaciones y colaboraciones con otros artistas. El clásico Slow Blues menor de B. B. King y con el cual lograría el reconocimiento y éxito a nivel planetario The Thrill Is Gone se nos presenta en esta conjunción con Eric Clapton. Todos los que hemos escuchado este tema, así como las distintas versiones realizadas por el propio King en vivo o álbumes discográficos, sabemos que B. B. pareciera que entrega el alma y la vida en cada nota que toca con su guitarra o canta a través de los versos.

Parece que el tema provoca y evoca en el mismo King emociones y sentimientos asociados a pasajes y vivencias de su vida, por lo que, transmite estos mismos al oyente quien acompaña a B. B. en cada una de las melodías vocales y guitarreras que interpreta. El tema logra la perfección y simetría perfecta que tiene tanto en vivo como en los álbumes en los que ha aparecido. Quiero destacar la labor en las cuerdas de Clapton, quien en esta canción no canta, además de la labor de ese teclado Hammond y la batería que le dan ese aire y gusto Funk y Slow al tema.

La primera vez que escuche un Blues que me emocionara hasta tomar la decisión de abocarme de lleno a su estudio y dedicación fue Need Your Love So Bad en la versión de Peter Green cuando integraba la banda Fleetwood Mac. Sinceramente, la versión de B. B. King de este tema provoca mas emociones y sentimientos que la versión de Peter Green y eso se lo debe el mismo King a la colaboración de Sheryl Crow, compositora, cantante y guitarrista de música Country, Folk y Blues, la cual proyecta a través de su voz ese aire cálido, sensible y relajante de una voz femenina que me recuerda a Etta James, Big Mama Thornton, entre otras. Las notas precisas y sutiles en la guitarra le dan un toque característico y único a la interpretación del tema, además de la interpretación del teclado en el transcurso del mismo. Siempre se agradece escuchar esa simetría que se produce entre una voz masculina y femenina.

Con un aire Góspel y Soul recordando a esos años de juventud y adolescencia en los que B. B. cantaba en el coro de la iglesia se rememoran con Ain't Nobody Home. B. B. es bastante inteligente y astuto en este sentido, así que dispone de la participación y colaboración de un experimentado cantante y músico de este tipo de música Daryl Hall. El trabajo realizado por los coristas acrecienta ese sentimiento y sensación de iglesia evangélica de negros en Estados Unidos. Lo más rescatable en esta canción, dejando en segundo plano la calidad de los músicos e instrumentistas de dicha canción, es la voz de King y Hall, así como también la labor de las partes y secciones corales. La existencia de Dios puede ser verdad o falsedad y eso va a depender del criterio religioso que tenga cada persona, sin embargo, si la manera agradecer y recompensar a Dios se lograra a través de la música, B. B. King le ha entregado un increíble y fantástico regalo a Dios mediante la interpretación de este tema.

Hummingbird representa uno de los puntos más bajos del disco. Si bien la colaboración de John Mayer, compositor, vocalista y guitarrista procedente de la escuela de Jazz y Blues Berklee, se incorpora desde un comienzo con ese guitarreo Funk y Blues agregándole ese palmeo y muteo  con la mano, el cual nos rememora a la técnica, estilo y sonido de Jimi Hendrix, da la entrada a la voz de B. B. King, la cual se muestra bastante desgastada, sufrida y lastimosa. Ya se había hecho presente que la voz de King no era la misma de hace años debido principalmente a su avanzada edad, sin embargo, en casi todos los temas del presente álbum entrega pasión, fuerza y sentimiento. Bueno el termino de casi todos se aplica a este tema en particular, en el cual la voz de B. B. se muestra en un nivel realmente bajo y débil. La voz de John Mayer tiene ese aire cálido y tranquilo que le otorga al tema un matiz interesante y brillante. Sin embargo, la voz de John Mayer simplemente canta una estrofa en todo el tema y participa en la parte final con los coros del mismo. Demás esta decir que Mayer y King juegan durante todo el tema a la pregunta y respuesta con melodías en las guitarras.

All Over Again comienza unas melodías y sonoridades que evocan a la sensualidad, erotismo y éxtasis cimentado en las guitarras de B. B. King y Mark Knopler mediante la técnica del finger picking. ¡Así es! Mark Knopler el compositor, vocalista y guitarrista histórico de la banda de Rock Dire Straits hace de las suyas en este Slow Blues de carácter erótico y carnal. Sin embargo, Knopler no canta en ningún momento del tema dejándole esta tarea a la voz desgarrada y pasional de King. Los fraseos y licks en las guitarras de B. B. y Mark están cargados de precisión y sentimiento. Destacar el trabajo y desempeño del teclado quien le da al tema ese plus necesario para transmitir emoción, tranquilidad y sensualidad necesaria. Este tipo de Slow Blues son comunes dentro del repertorio de B. B., así que no debería generar extrañeza escucharlo, además si a eso le sumamos ese tono y vibrato exquisito que posee la guitarra de King.

El ritmo Shuffle Blues de los primeras dos canciones vuelve a cobrar fuerza y garra a través de Drivin' Wheel. Vaya que comenzada tiene B. B. en este tema con la melodía en la guitarra respaldada por la tremenda banda que tiene. El canto del mismo se escucha con energía y fuerza y hasta podría decir que por encima del invitado quien en esta oportunidad es Glenn Frey, el vocalista y multiinstrumentista de la banda de Hard/Rock Eagles. En esta canción se nota comodidad por parte de B. B. King en cuanto a sus líneas vocales como a sus fraseos en la guitarra. Glenn Frey queda sobrepasado en el ámbito vocal, sin embargo, muestra un buen solo y melodías en su guitarra eléctrica demostrando su técnica y habilidad en el estilo. B. B. y su banda muestran su desplante y desempeño enérgico y aguerrido en todo momento, inclusive habiendo un corte en la mitad del tema en donde King se hecha el tema al bolsillo y lo lleva a un jubilo brillante a través de su voz, siempre respaldado por buenos y correctos coristas.

Y volvemos a los Slow Blues de carácter romántico y apasionado con There Must Be a Better World Somewhere. En el mismo sentido que Need Your Love So Bad,  B. B. vuelve a incorporar la participación de una voz femenina de renombre, y vaya que artista es el que presenta King a través de ese tono y voz cálida, agradable y sentimental de Gloria Estefan. Resulta bastante raro y peculiar encontrar a Gloria en estilos como el Slow Blues o la balada Blues, sin embargo, su desempeño vocal es deslumbrante y fascinante dándole a la canción una temática de manjar o delicia para el oído. Nuevamente, King y Estefan intercalan sus voces a través de los diversos versos del tema. King sabe como se toca la guitarra en este tipo de canciones, lo cual se realiza tocando pocas notas pero precisas con gran cantidad de bending y estiramientos cargados de sentimiento.

Y con ese comienzo en la batería, teclado y guitarra da rienda Never Make Your Move Too Soo con un aire y temática bastante Funk y Orquestal. Si querían empezar con la fiesta mas vale que comiencen con este tema, ya que posee un carácter fiestero, enérgico y alegre de agrado para el oyente. Pero, ¿De quien esa voz rasposa y desgarrada que no se logra identificar con facilidad? Para mi también resulto una extrañeza y me refiero a la voz de Roger Daltrey, el vocalista histórico e icónico de la banda de Rock The Who. El desempeño en las líneas vocales de King y Daltrey resulta bastante efectivo y preciso para el estilo de canción. Sin embargo, el mayor crédito se lo doy a la banda de B. B., la cual se proyecta con dominio y virtuosismo en los diferentes instrumentos que posee y en las diversas partes de la canción en que estos intervienen.

Teniendo una calidad y trabajo instrumental increíble y deslumbrante durante toda su duración se nos presenta Funny How Time Slips Away. Sin embargo, para mi representa otro de los momentos bajos y débiles del disco. Muchos se preguntaran como puede ser posible que dicho tema sea uno de los más débiles dentro de las canciones del álbum siendo que posee una excelencia y calidad de instrumental y cuenta con la leyenda de Blues Bobby Bland como invitado en las voces junto a B. B. King. La respuesta a dicha interrogante o inquietud esta en la calidad y tonalidad vocal tanto de B. B. como de Bobby debido principalmente a su avanzada edad. Y tampoco estoy lapidando a grandes artistas por su calidad vocal transcurrido los años, en referencia a esto puedo citar a Cat Stevens que nunca a perdido su calidad y sonoridad vocal a pesar de la avanzada edad que posee. Pienso que el ser humano debe ser consciente y realista frente a las circunstancias y situaciones de la vida y ese falsete en la voz de King no da el resultado esperado o simplemente no se encuentra a la altura de la canción. La canción parece más una conversación emotiva y sentimental entre amigos que un tema de Slow Blues con todas sus letras.

Y llegando al final de este trabajo discográfico, se concluye todo con una fiesta llena de Boogie Blues y Jump Blues a cargo del clásico de este estilo Rock This House. En la ultima canción, B. B. trae a un pianista y tecladista muy especial, con esto hago referencia a Elton John. Rock This House es el tema mas enérgico, bailable y potente del disco mostrando a King en esa faceta Jump que aprendió del maestro del estilo T-Bone Walter. Los versos y los coros se encuentran plagados de euforia y efervescencia materializada a través de las voces de B. B. y Elton. Destacar la labor de los vientos de la banda de King que le dan ese toque particular y único al tema. Elton John también muestra sus dotes en el piano del estilo Blues a través de un solo lleno de virtuosismo y fuerza. Si bien B. B. King no es un guitarrista dedicado únicamente al estilo Jump Blues como un Hollywood Fats, Ronnie Earl, Junior Watson, Clarence Gatemouth Brown, entre otros; logra salir airoso y defenderse de buena manera en su desempeño en la guitarra frente a este tipo de canciones.

Si bien B.B. King & Friends: 80 no muestra desperdicios o rellenos en cuanto a las canciones que contiene, si debe hacerse presente que a pesar de mostrar una excelente calidad instrumental y vocal a nivel global como álbum discográfico no queda exento de una que otra acotación o debilidad detectada. La calidad de dicho material discográfico queda respaldada por el Premio Grammy recibido en el año 2006.

Si el lector es una persona que recién se esta familiarizando con el estilo Blues o con la carrera y trayectoria de B. B. King se le recomienda y sugiere que tome este álbum como un punto de partida significativo e importante en el estudio de tan particular estilo de música.

“The thrill is gone
It's gone away from me…”

Electric Mud (1968) - Muddy Waters - Critica

Hoy es uno de tantos días en los que me encuentro en la oficina sin hacer o realizar nada productivo. Como decía aquel tema Stormy Monday de T-Bone Walter si el lunes es tormentoso…el resto de los días pueden ser similares o  peores…. Actualmente estoy realizando mi práctica en una institución bancaria y siendo sincero y verdadero en mi comentario, por momentos, me siento bastante molesto, insatisfecho y frustrado. Al ser considerado el nuevo o el practicante no me tiran a los leones, quizás por miedo y temor a que cometa algún error significativo y considerable; dice un dicho popular que de los errores se aprende..., pero sino me dejan experimentar o practicar como es posible este aprendizaje. Adicionalmente, podemos agregar la consideración de que la práctica hace al maestro..., pero si no se dispone de esta como es posible que lo sea. Creo que la peor sensación y sentimiento que puede tener una persona es la frustración e insatisfacción profesional, laboral o personal. A diario vislumbro a mis compañeros de oficina llenos de trabajo y siempre activos durante la jornada laboral, que por ciertos momentos, se extiende del horario normal y frecuente de oficina teniendo en sus casas familias y cercanos esperándolos. El encontrarme presente pero sin ser un aporte o ayuda significativa me hace sentir mas molesto e insatisfecho aun.

Tengo claro que esto no es un confesionario ni un psicólogo, y quizás muchos lectores se preguntaran, pero ¿Qué tiene que ver todo esto con el lenguaje del Blues? He leído y escuchado muchos artistas del género  que ante esta eventual y corriente pregunta plantean el hecho de que el Blues es un sentimiento surgido circunstancias y acontecimientos naturales que se manifiestan en nuestra vida. Muchos intérpretes del género plantean que la vida misma es Blues. En este contexto es que si se tiene un día tormentoso y desolador eso es Blues, si te gusta una mujer, sin embargo, para ella eres imperceptible e indiferente eso es Blues y así un sucesión de ejemplos que se me vienen a la mente. Recordemos que las primeras sonoridades del Blues venían de aquellos sentimientos de malestar que provoco la esclavitud de negros africanos en Estados Unidos. Estos negros componían y cantaban canciones para demostrar su sentimiento de malestar debido al trato indigno y humillante de la esclavitud, además usaban estas composiciones para hacer mas alegre y amena las extensas jornadas laborales en los cultivos de algodón, la implementación de rieles ferroviarios, los cultivos y plantaciones de frutas y verduras, entre otras.

Con la llegada de Abraham Lincoln a la presidencia de los Estados Unidos y con la posterior abolición de la esclavitud en territorio americano, se produjo una gran cantidad de migraciones de negros a ciudades como New York, Washington, Chicago, entre otras. Bajo este contexto, muchos bluesman se trasladaron a las grandes metrópolis considerando a estas como una alternativa y oportunidad para desarrollar su talento musical. Poco a poco, la contaminación acústica y la sobrepoblación de estas ciudades hicieron imperativo y determinante que el blues en las calles se electrificara y distorsionada con el motivo de hacerse escuchar en las personas que circulaban las calles. Con esto, comienza a  surgir uno de los estilos de blues más conocidos y significativos del siglo XX, el cual se denominaría bajo el nombre de Chicago Blues; teniendo a uno de sus grandes intérpretes en las técnicas y vocalizaciones de Muddy Waters.

Electrid Mud es uno de los trabajos discográficos que representa la esencia misma de aquel sonido característico y único del Chicago Blues, ya que no solamente atrapa y cautiva por la calidad de sus composiciones, sino más bien por la expresividad y sentimiento que transmiten sus intérpretes.

Adicionalmente, tenemos que recordar que la casa discográfica que popularizó y catapulto la carrera musical de Muddy Waters fue Chess Records, la cual contaba con artistas emblemáticos como Etta James, Little Walter, Chuck Berry, Howlin Wolf, Willie Dixon, entre otros. Por lo mismo y no es de extrañar que la mayoría de las composiciones interpretadas por Muddy Waters sean de autoría del extraordinario Willie Dixon. Como decía el mismo Dixon en una de sus composiciones: I am the Blues…

El disco comienza con la psicodélica, electrizante y experimental composición de Willie Dixon I Just Want to Make Love to You. El arranque de la canción se desarrolla por fraseos distorsionados y psicodélicos en las guitarras, la batería por su parte pone de manifiesto los redobles y el bajo una cadencia slide interesante. El tema se desenvuelve por sonoridades rockeras y psicodélicas, sin embargo, el vozarrón y registro vocal de Muddy Waters le dan el carácter de Rock Blues. Hay que destacar los momentos en que Waters se desenvuelve acompañado solamente de la batería, ya que en los mismos destaca y resalta su talento vocal. La banda se pone a ritmo y tope en todo momento entregando momentos de virtuosismo y calidad interpretativa.

I'm Your Hoochie Coochie Man es una de las composiciones bluseras más conocida, versionada, reconocible, identificable, entre otros del Chicago Blues; inclusive me faltan apelativos para describir el significado de fondo de esta canción. Nuevamente, Dixon nos sorprende con una composición majestuosa y brillante. El tema comienza con una sonoridad ascendente y distorsionada a cargo de la guitarra hasta desenvolverse en la voz cruda y grave de Waters. La composición tiene una cadencia constante, pero que resulta efectiva y entretenida en todo momento. En el coro explota y estallan todos los músicos apoyados por el registro vocal de Waters. El solo de guitarra nos presenta habilidad y virtuosismo, así como también el solo de saxofón… ¡¡¡Así es!!! , y a pesar de que muchos piensen y estén acostumbrados a este tema por su sinfonía en armónica, nos encontramos frente a un saxo tenor interpretado por Gene Barge. Este tema tiene diferentes versiones tanto en estudio como en vivo realizadas por el mismo Waters, además de una serie de artistas relacionados con el Blues y Rock.

Let's Spend the Night Together, original de The Rolling Stones y aparecida en el disco Between the Buttons en la versión americana, tiene su versión blusera a cargo de Muddy Waters. La cosa arranca con unos fraseos interesantes y distorsionados sobre una base de acordes que recuerdan muy de cerca al sonido de Keith Richards, además se hace notoria la sonoridad de un órgano a través de ambientales. Waters como siempre sale airoso y pulcro durante toda la canción y le aporta ese toque característico de la voz negra de Blues y Gospel. Destacar la labor y trabajo de las guitarras de Faulkner, Cosey y Upchurch y el órgano de Stepney. La batería también tiene sus momentos e intervalos de brillo a través de correctos redobles y cambios de ritmo a cargo de Jennings.Si tuviera que quedarme con la versión original o con esta, seguramente preferiría ambas, ya que tienen toques y sonidos diferentes la una de la otra, esto le da identidad a cada una de las versiones del tema en cuestión.

Y nos encontramos con la primera composición de Muddy Waters en el disco a través de She’s Alright. Con un acorde que se deja oír a través de la guitarra y un fraseo en el bajo comienza She’s Alright. El tema posee una cadencia y armonía deleitable rayando por momentos en la distorsión absoluta y abrumadora. Los constantes y frecuentes duelos en las guitarras son una tónica constante durante la duración de la composición. Waters proyecta y entrega menos que en las antecesoras haciendo que el tema se vuelva repetitivo y latoso. Es la composición que mayor duración tiene en el disco y esto en vez de ayudarla, la desfavorece y resta merito a la misma.

La introducción de Mannish Boy puede parecer extraña y experimental, sin embargo, esconde un rememoramiento y recuerdo de la niñez y adolescencia de Muddy Waters. Esos sonidos de gritos de gallo y desolación de campo nos hacen presentes y participes de la vida esforzada y campesina que llevo Waters antes de convertirse en una estrella de Blues. La casa de madera vieja y roñosa, la construcción de vías ferroviarias, el trabajo en las plantaciones de algodón, el barro y la tierra, entre otras cosas se me vienen a la mente. La cadencia musical tiene fuerza, consistencia y potencia. Waters se luce como pocos en este tipo de canciones y lo demuestra a cada momento. Todos los que acompañan a Waters también proyectan sentimiento y virtuosismo para el oyente durante toda la duración de la composición. En versiones posteriores al disco, este tema se asemeja en demasía a I'm Your Hoochie Coochie Man, pero a Muddy Waters se le perdona todo ¿o no?.

Nuevamente las introducciones extrañas y desconocidas llegan de la mano de Herbert Harper's Free Press News. Quiero destacar el trabajo y labor de las guitarras en este tema, las cuales se encuentran llenas de frases y fragmentos de distorsión. El bajo mantiene la cadencia y la fuerza de la canción apoyado por la batería y el teclado. Si bien tiene un aire y toque más funk en comparación a sus antecesoras, Herbert Harper's Free Press News se acerca bastante al Funk Rock y Funk Blues desarrollados principalmente por  Albert Collins o Albert King. Es un tema más bien discreto debido a su repetición constante.

Tom Cat es una canción bastante interesante y atractiva debido a esos acordes en la guitarra con el toque del pedal delay y wah wah. Vuelve a aparecer el saxofón tenor para otorga momentos y pasajes cercanos a aquellos sonidos característicos y reconocibles de la cultura del medio oriente. El tema en si tiene un toque distintivo y particular debido  al saxofón tenor y a las vocalizaciones realizadas por el mismo Waters, ya que el resto de los instrumentos mantiene el ritmo corriente. Le recomiendo al oyente que preste atención a la canción, ya que no es tan frecuente en las composiciones e interpretaciones de Waters escuchar composiciones de este estilo y particularidad.

Y llegando al final del disco nos encontramos con un blues clásico de 12 compases llamado The Same Thing. Todos los instrumentistas llevan el ritmo y cadencia sonora a través de la progresión de acordes básica del I-IV-V. La voz de Waters posee matices graves y profundos los que dan un plus y valor agregado al tema. Me agrada el trabajo realizado en los teclados y órgano, pienso que es quien más brilla dentro de la banda de instrumentos que acompañan a Waters; además de la guitarra que siempre lo hace.

A pesar de lo que muchos puedan creer, y del talento natural que posee en la guitarra, Muddy Waters no toca ninguna nota en la grabación de las canciones para el disco; al menos no sale en los créditos del mismo por su interpretación en las seis cuerdas, simplemente sale en la parte vocal. La banda que lo acompaña es Gene Barge en el saxofón tenor, Phil Upchurch, Pete Cosey y Roland Faulkner en las guitarras, Charles Stepney en los teclados, Louis Satterfield en el bajo y Morris Jennings en la batería.

Eliminator (1983) - ZZ Top - Critica

Al escuchar, hoy en día, el Eliminator de la banda oriunda de Texas ZZ Top, compuesta por Billy Gibbons en la voz y guitarra, Dusty Hill en el bajo y Frank Beard en la batería, solo encuentro dos razones considerables y plausibles de su éxito y reconocimiento dentro de la escena rockera mundial. La primera de estas justificaciones radica en el hecho de que la banda venia desde los años 70’s lanzando de manera periódica discos de gran calidad y factura como Tejas, Rio Grande Mud, Fandango! , Tres Hombres, en el cual se encuentra la reconocible e identificable canción La Grange, entre otros. El segundo detonante de éxito y reconocimiento radica en el apoyo y respaldo momentáneo del canal de televisión musical MTV, el cual fue el encargado de masificar y extender la música de la agrupación estadounidense a través del globo por medio de videos musicales, apariciones en revistas, entrevistas, entre otras. En este ultimo punto, me refiero a apoyo y respaldo momentáneo, debido a que muchos de los que llevamos cierto y determinado tiempo aprendiendo de la escena del rock mundial, conocemos a la perfección como era el negocio y mercado musical en la década de los 80’s, en donde encontramos ciertos medios de comunicación a los cuales les interesaba simplemente vender, vender y vender y la música o las bandas pasaban a segundo plano. MTV conforme a pasado el tiempo se ha ido transformando y mutando en un canal de realitys, series adolescentes, dibujos animados, etc teniendo un nombre de pantalla referente a la música. Muchas bandas han escrito y realizado composiciones en contra del canal en cuestión y por algo debe ser….

Muchos oyentes o fanáticos de ZZ Top pueden considerar que la agrupación “se vendió” o “se comercializo” a través de la realización de este trabajo discográfico. Sin embargo, debo salir en defensa del conjunto en este sentido. Cuando determinadas personas forman un grupo y comienzan a componer música su principal objetivo radica en el sentimiento de la creación e interpretación musical. Cuando estas bandas se consolidan a través de solidos y buenos discos el objetivo principal cambia y se vuelca en hacerse conocido y reconocido entre las personas. En este sentido, muchas bandas buscan cambiar su estilo en su manera de componer, interpretación y hasta vestimenta por agradar y consentir al publico. ZZ Top, según mi parecer, no cambio su sonido característico y reconocible, aunque debo reconocer que hay ciertas composiciones dentro del disco que tienen un sonido más comercial que otras. Puede que el conjunto haya tenido sus 5 minutos de fama y fue lo que duro mientras fue rentable para productores y promotores como le ocurrió a muchas bandas en aquella década. Sin embargo, la banda sigue haciendo discos y realizando giras a través del mundo con un publico fiel y leal que reconoce su trabajo discográfico y su puesta e interpretación en vivo.

Gimme All Your Lovin': Uno de los temas más comerciales y alejado del sonido característico de la banda se nos presenta con Gimme All Your Lovin'.Si hablo o me refiero a un sonido desconocido y cambiado es a la cercanía de la composición y estructura de la canción al sonido de Electric Light Orchestra, es que sino supiera reconocer el tono vocal de Billy Gibbons no sabría que estoy ante la presencia de ZZ Top. Frank Beard es el encargado de comenzar el tema a través de un ritmo sencillo y simplón en la batería. El tema agarra fuerza y energía a través de la incorporación del bajo y la guitarra eléctrica, esta ultima aportando unos fraseos y cadencias repetitivas y distorsionadas. La voz de Billy nos conduce a través versos entretenidos y divertidos. El coro de la canción es pegajoso y agradable. El solo de guitarra eléctrica se encuentra plagado de fraseos e influencias bluseras y texanas. Hacer notar el sonido de los sintetizadores durante la canción y el interesante puente que se produce para marcar las partes de la misma.

Got Me Under Pressure: Con un sonido más boogie y más característico a la banda comienza Got Me Under Pressure. Billy Gibbons es quien mas se luce y brilla durante la canción. Dusty Hill y Frank Beard quedan en segundo plano durante la duración de la canción, ya que el primero, simplemente, marca las tónicas a través de punteos constantes en el bajo y el segundo, a pesar de continuar con los ritmos y patters simplones y frecuentes en la batería, destaca en los cambios de ritmo que tiene la composición. El tema tiene potencia, fuerza y garra demostrándose, en todo momento, a través de la voz desgarrada y agresiva de Gibbons. Adicionalmente, la canción tiene fraseos y punteos apreciables y considerables, los cuales rayan en cadencias distorsionadas otorgando un plus y valor agregado a la misma. El coro no es muy pegadizo, pero esta lleno del rock más cañero y boogie que puede entregar el conjunto estadounidense.

Sharp Dressed Man: Nuevamente, nos encontramos con los ritmos rockeros y cañeros de costumbre con Sharp Dressed Man. El tema se conduce por un riff marcado y constante lleno de distorsión, el cual genera la estructura de la canción manteniéndola con calidad durante su duración. Los versos y coros de la canción son pegadizos y entretenidos para el oyente. El solo de guitarra esta plagado de licks con slide y de procedencia blusera. La batería es un pilar fundamental de la composición, marcando el ritmo y dándole ese toque y color especial. El tema posee buenos y correctos cambios de ritmo y puentes musicales. Nuevamente, nos encontramos con los efectos y sintetizadores.

I Need You Tonight: Un fraseo en la guitarra eléctrica con efecto delay da comienzo a I Need You Tonight. Los primeros segundos de la tonada se van desenvolviendo a través de estos fraseos y licks en la guitarra, apoyados constantemente por una segunda guitarra que marca los acordes y la batería. El tema toma forma y estructura por medio de las entonaciones vocales a cargo de Billy Gibbons. El tema tiene un aire mas tranquilo, calmado y mesurado que sus antecesores representándose como una balada rock. Lo mas rescatable son los sonidos de eco y delay que se logran a través de la guitarra recordando por momentos el sonido de los delfines. Sin embargo, la estructura del tema por momentos se vuelve aburrida y deprimida, a pesar de los esfuerzos de Gibbons por levantarlo y condonarlo, para el oyente del mismo.

I Got the Six: La composición de menor duración del disco se presenta con I Got the Six. Lo que rescato del tema es aquel toque al rock moderno y actual al estilo de The White Stripes. El ritmo marcado y constante por parte de la guitarra de Gibbons y la bateria de Beard conducen al tema por una sonoridad cañera y bailable. La voz de Gibbons resulta, por momentos, extraña y desconocida aunque manteniendo la esencia. Al finalizar algunos versos se produce sonidos cortantes y secos por parte de todos los integrantes de la banda, lo que genera el coro plausible y pegadizo del tema en cuestión. Los gritos de Gibbons y los virtuosos solos del mismo otorgan a la canción un aire y toque frenético, desenfrenado y fresco.

Legs: Uno de los temas más conocidos y reconocibles de la banda se nos presenta con Legs. El tema comienza con unos licks distorsionados en la guitarra conjuntamente con un ritmo marcado en la batería. La canción tiene un aire comercial, rockero y electrónico. En esta composición es donde mas se hacen notar y presentes los sintetizadores y teclados que incorporo el grupo a este trabajo discográfico. La voz de Gibbons suena mas tranquila y relajada, sin embargo, tiene puntos desgarrados y eufóricos. El coro es bastante contagioso y pegajoso quedando en la cabeza del oyente a la primera. Los solos de Gibbons son rescatables y distorsionados. Beard hace un gran trabajo en la bataca y Hill brilla por su ausencia. A través de este tema, el grupo genero todo un concepto y emblema de marketing y mercado por medio de fotografías donde salían abrazados a unas piernas bonitas y formadas por mujeres espectaculares y el Ford Coupe de color rojo que ha aparecido en varios videos musicales de la banda, programas de televisión, cine y eventos de automóviles. Este tipo de auto se transformaría en la portada integral y funcional de este trabajo discográfico.

Thug: El tema más experimental y extraño del disco se nos muestra a través de Thug. El tema tiene un aire new wave, africano y jazz, aunque no pierde la esencia rockera a través de las progresiones de acordes y sonoridades en la guitarra eléctrica. Me recuerda mucho al sonido característico de The Police. Gibbons es quien menos brillo o luce durante el tema teniendo uno que otro momento enérgico a través de su voz. Beard aporta buenos ritmos en la batería dándole forma al tema. Hill es quien más deslumbra y entrega durante el tema demostrando su calidad y virtuosismo en el bajo a través de momentos agradables y habilidosos. Sin embargo, el tema resulta demasiado experimental y no parece entregar nada nuevo o de interés en el oyente, esto lo hace caer en el aburrimiento, monotonía y decadencia. Además, se pueden apreciar sonidos de teclado y de palmas.

TV Dinners: Un riff cortante y seco se escucha a través de TV Dinners. Es un rock constante y corriente que se mueve por un ritmo relajado y mesurado a través de la voz de Billy Gibbons. Nuevamente, aparecen los sintetizadores y teclados que colaboran a darle forma y estructura a la composición. Las progresiones de acordes y los cambios de ritmo durante el tema es quizás lo más rescatable del mismo. La canción cae en la repetición y monotonía del riff. Sin embargo, los puentes musicales entregan momentos interesantes y atractivos. La composición es regular y corriente sin tener altos ni bajos.

Dirty Dog: Con un aire mas fresco, vivo y energico que su antecesor se nos muestra Dirty Dog. El tema se desenvuelve por una base rockera y new wave. Como ya es costumbre en el transcurso del disco, aparecen los sintetizadores y teclados durante toda la duración del tema. Gibbons aporta momentos entretenidos y deslumbrantes a través de su voz y su guitarra. El solo de guitarra transcurre entre momentos distorsionados, espaciales y experimentales. Tiene una sonoridad muy similar al tema Legs. El tema resulta divertido y placentero para el oyente. Sin embargo, el coro no es tan plausible o apreciable como en otras composiciones de la banda.

If I Could Only Flag Her Down: Con ese aire y tinte blues y rock se nos presenta If I Could Only Flag Her Down. El tema se mantiene enérgico y positive en todo momento y no decae bajo ningún punto de vista. Esta clase de temas le acomodan a Gibbons, ya sea por su tono vocal o por su interpretación en la guitarra eléctrica y era que no si son ritmos comunes y frecuentes de sus tierras y orígenes texanos. Es un blues/rock plagado de ritmos cortantes y sonoridades distorsionadas. Toda la banda brilla y deslumbra quedando de manifiesto la comodidad de la misma frente a este tipo de ritmos y temáticas. El coro es correcto y discreto. Me resulta atractivo y destacable el solo de guitarra eléctrica con slide.

Bad Girl: Con la pregunta de Gibbons: Are you ready?... comienza la energica y cañera Bad Girl. El tema se nos presenta como el más rockandrollero, cañero y bailable del disco en cuestión. Gibbons grita y ruge en la voz entregando al oyente momentos de goce y delirio. El cambio de ritmo marcado y cortante de la banda da la partida al solo de Gibbons, el cual esta plagado de sonidos del rock and roll y rockabilly. El coro es entretenido, pegadizo y frenético. Resulta ser una gran composición para terminar el álbum discográfico, ya que esta llena de la esencia natural y sonido característico de la banda.

Este trabajo discográfico se proyecta como uno de los grandes albums lanzados por la agrupación oriunda de Texas. Recibió varias reseñas positivas por parte de los críticos y ha sido considerado como uno de los mejores registros de la década e incluso fue incluido en el puesto 396 de la lista de los 500 mejores álbumes de la historia según la revista Rolling Stone.

“She's got legs, she knows how to use them.
She never begs, she knows how to choose them…”